Mostre

Mercati di Traiano – Museo dei Fori Imperiali Via Quattro Novembre 94 Roma

 4 febbraio 2021/ 30 maggio 2021 

 

 In occasione del bicentenario dalla morte di Napoleone Bonaparte ai Mercati di Traiano è stata aperta al pubblico fino al 30 maggio 2021 la mostra “Napoleone e il mito di Roma”, un’esposizione curata da Claudio Parisi Presicce, Massimiliano Munzi, Simone Pastor, Nicoletta Bernacchio.

Suddivisa in tre macro-sezioni, la mostra si concentra sul rapporto tra la figura di Napoleone e la Roma Imperiale, continua fonte di ispirazione per celebrare la sua magnificenza e quella della sua famiglia.  Tra sculture, dipinti, stampe, medaglie, gemme e oggetti di arte cosiddetta minore – provenienti dalle Collezioni Capitoline nonché da importanti musei italiani ed esteri, la mostra celebra dunque Napoleone e questa sua pratica di una sorta di archeologia delle immagini del potere, attraverso il recupero meticoloso e spregiudicato di simboli, figure e concetti del passato. 

La prima sezione evidenzia il rapporto tra Napoleone e il mondo classico, attraverso l’esposizione di opere antiche e moderne di eccezionale valore storico, che illustrano il percorso biografico di Napoleone e, allo stesso tempo, i suoi modelli e riferimenti culturali. Tra queste il gesso di Louis Rochet per la statua di Napoleone cadetto a Brienne (inizialmente visibile attraverso una riproduzione fotografica) dal Musée d’Yverdon et Région (Yverdon-les-Bains), il bronzo raffigurante Alessandro Magno a cavallo dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli e il grande bronzo di Lorenzo Bartolini raffigurante Napoleone I Imperatore, dal Louvre. La macro-sezione si chiude con la morte e l’apoteosi di Napoleone, considerato un eroe antico ma anche un santo e un taumaturgo, in continuità con i re del medioevo francese, come raffigurato nel celebre dipinto di A.J. Gros, Il generale Bonaparte visita gli appestati di Jaffa, presente in mostra attraverso l’incisione di A.C. Masson, proveniente dal Palais Fesch-Musée des Beaux-Arts di Ajaccio.

La seconda macro-sezione è dedicata al rapporto di Napoleone con l’Italia e Roma. Di particolare interesse il gruppo scultoreo di Pacetti Napoleone ispira l’Italia e la fa risorgere a più grandi destini, dal Castello di Fontainebleau, e due ritratti di Napoleone da Milano (Galleria d’Arte Moderna e Palazzo Moriggia-Museo del Risorgimento). La sezione è completata da un approfondimento sullo scavo della Basilica Ulpia. Incisioni di Giuseppe Vasi, Angelo Uggeri, Giovan Battista Cipriani e disegni e dipinti dal Museo di Roma, nonché – eccezionalmente esposti per la prima volta – i tre progetti redatti nel 1812 da Giuseppe Valadier e Giuseppe Camporese e conservati all’Accademia di San Luca, illustreranno le tappe che portarono alla scoperta delle strutture della Basilica Ulpia e di importanti reperti scultorei, come le statue di Daci, esposte nella collezione permanente del Museo, riunite per la prima volta a sculture provenienti dall’area e oggi conservate nei Musei Vaticani.

La terza macro-sezione approfondisce alcuni aspetti relativi alla ripresa di modelli antichi nell’arte e nell’epopea napoleonica, come ad esempio quello dell’aquila romana. Nell’approccio all’Antico fu fondamentale per Napoleone la Campagna d’Egitto, raccontata attraverso alcune opere, come la stampa di Girardet dal Museo Napoleonico di Roma, raffigurante Il generale Napoleone Bonaparte alle Piramidi, e la statuetta in bronzo di C.J. Meurant dal Palais Fesch-Musée des Beaux-Arts di Ajaccio: Bonaparte su un dromedario. Dall’Egitto a Babilionia, sulle orme di Alessandro Magno: il percorso è celebrato nella mostra con cinque lastre del fregio con Il Trionfo di Alessandro Magno in Babilonia di Bertel Thorvaldsen, nella versione conservata nei Musei Civici di Pavia e derivata dal fregio eseguito dal celebre scultore per il Palazzo del Quirinale nel 1812. Lo sguardo su Roma riporta al modello per antonomasia: la Colonna Traiana che fu d’ispirazione per la realizzazione, tra il 1806 e il 1810, della Colonna Vendôme a Parigi.

Chiude la mostra il celebre dipinto Napoleone con gli abiti dell’incoronazione di François Gérard, del 1805, conservato ad Ajaccio, nel Palais Fesch-Musée des Beaux-Arts.

 

 

 

 

 

 

 

Centro Matteucci per l’Arte Moderna  Via Gabriele D’Annunzio 28  Viareggio 

Valeria Ronzani Corriere Fiorentino 7 gennaio 2021

 Fino a fine gennaio al Centro Matteucci per l’Arte Moderna di Viareggio (via Gabriele d’Annunzio, 28) si può visitare su prenotazione la mostra «Accadde in Versilia. Il tempo di Nomellini e Viani», una mostra prodotta dalla Società di Belle Arti di Viareggio

Anche questo è accaduto in Versilia, una pandemia che ha chiuso tutto. Né poteva sottrarsi a qualcosa che coinvolge il mondo intero. Così, a Viareggio passeggiata deserta e locali chiusi. Ma c’è chi non si arrende. Se avete urgenza di un’iniezione di arte, telefonate al Centro Matteucci per l’arte moderna (0584.430614) e prenotate una visita alla mostra Accadde in Versilia, il tempo di Nomellini e Viani, ancora fino a tutto il mese di gennaio, come ci assicura Giuliano Matteucci.

Prodotta dalla Società di belle arti di Viareggio, l’esposizione propone più di trenta opere, anche di collezionisti privati raramente esposte, per immergersi in una terra magica, un paesaggio fatato che purtroppo non esiste più. Celebri i versi di Gabriele d’Annunzio, che della Versilia declama: «Tre disse quivi immense parole il Mistero del Mondo, pel Mare pel Lito per l’Alpe, visibile enigma divino che inebria di spavento e d’estasi l’anima umana». Forse è anche in funzione consolatoria che si rievocano quei climi. Plinio Nomellini fu la personalità accentratrice, sempre in bilico fra Divisionismo e Simbolismo, di questa terra incantata. «Divina» la definiva l’artista, e l’intima, poetica ispirazione ben si esprime nella immaterialità di quel liquido colore del Ragazzo sulla spiaggia del 1910.

Ma il rimpianto per quell’oasi felice è controbilanciato dal ricordo della miseria e dalla durezza delle condizioni di vita di quei luoghi, che trovano degno cantore in un artista potentissimo, che da lì si pone come uno dei protagonisti dell’arte europea di quei decenni, Lorenzo Viani.

Lorenzo Viani Darsena  1909

Creatura di Nomellini, diviene il cantore potente degli umili, della fatica del lavoro, della tragedia del mare. Ma c’è un altro grande protagonista della Versilia in quegli anni, il suo nome è Giacomo Puccini, che nell’oasi di Torre del Lago trovava ristoro alle pressioni della sua enorme fama. La villa, che conserva le sue spoglie mortali, è ora un museo a lui dedicato. Nella sua vita torrelaghese c’era però ben altro. Ecco lo schizzo di Ferruccio Pagni del capanno sede del «Club la Bohème», accolita di amici artisti che si riunivano attorno al genio lucchese.

Pagni, insieme a Francesco Fanelli, era uno di questi, come testimoniato dalla fotografia esposta.

 Di Puccini anche lo schizzo a firma Lina Rosso, che ne ritrae i tratti del volto nel 1918. Un olio del 1900 di Adolfo Tommasi ritrae la magia delle Apuane da Torre del Lago.

 Francesco Fanelli Lavandaie sul lago 1898

Lì nel 1902 si era trasferito Plinio Nomellini reduce dalla trasferta genovese, per atterrare nel 1908 a Viareggio, lungo la fossa dell’Abate. Intorno a lui un nucleo di pittori ormai in grado di affrancarsi dalla sua lezione, quelli che Diego Martelli definì «Impressionisti livornesi». In prima fila appunto Fanelli e Pagni, ma in mostra abbiamo testimonianze pittoriche anche di Ulivi Liegi con una Spiaggia di Viareggio, risalente al 1917, a dimostrare i debiti all’arte di Nomellini. E Fanelli nel 1905/10 ritrae la poesia di un’istantanea di vita della darsena di Viareggio. Quanto diversa dal dolore della fatica dei pescatori di Viani.

Ulvi Viegi Marina a Viareggio 1910

 

 

 

 

Cento capolavori dalle collezioni Della Ragione e Iannaccone

Museo della Città – piazza del Luogo Pio (quartiere La Venezia) Livorno

 

Dal 30 ottobre al 31 gennaio 2021 è aperta -la mostra “Vissi d’arte – Cento capolavori dalle collezioni Della Ragione e Iannaccone“, progetto ideato da Sergio Risaliti, direttore del Museo Novecento di Firenze, e a cura di Eva Francioli, Elena Pontiggia e Sergio Risaliti. Un eccezionale percorso espositivo che riunisce per la prima volta, in un dialogo profondo e serrato, le opere di due importanti collezioni dedicate all’arte italiana del Novecento: quella di Alberto Della Ragione (1892-1973) e quella di Giuseppe Iannaccone (1955), entrambi accomunati dall’intensa passione nei confronti dell’arte italiana, in particolare quella sviluppata negli anni tra le due guerre.   

In mostra opere di grandi Maestri come Giorgio Morandi, Carlo Carrà, Renato Guttuso, Emilio Vedova, Renato Birolli, Mario Mafai, Scipione e Filippo De Pisis, e ancora Felice Casorati, Aligi Sassu, Ottone Rosai, Carlo Levi e Fausto Pirandello; opere di altissima qualità pittorica esposte in un percorso dialettico dal forte impatto visivo. La mostra, promossa dal Comune di Livorno, sancisce la collaborazione con la Città di Firenze e il Museo Novecento, nel segno dell’arte moderna e della cultura contemporanea.

 

Collezione Della Ragione: un atto d’amore verso Firenze dopo l’alluvione

Una collezione, quella di Alberto Della Ragione, arrivata a Firenze come frutto generoso di una donazione effettuata all’indomani della terribile alluvione subita da Firenze, la culla del Rinascimento, ferita nel suo patrimonio di bellezza dalla furia delle acque dell’Arno, che nel novembre del 1966 tracimò sommergendo le case, le chiese e i palazzi. Fu allora che l’ingegnere decise di risarcire Firenze affidando alle cure della città ben 240 opere di sua proprietà, con un contratto che fu siglato finalmente nel 1970. Forse Della Ragione, nel prendere questa decisione, fu motivato anche dal fatto che nella città di Cosimo Il Vecchio e Lorenzo Il Magnifico abbia avuto origine il collezionismo moderno, dalla cui costola sono poi nati i musei più importanti della città, dagli Uffizi, alla Galleria Palatina, dal Museo Bardini, al Museo Horne, fino allo stesso Museo Novecento, che conserva ed espone la Raccolta Alberto Della Ragione.

Collezione Iannacone: romanticismo e espressionismo nelle opere in mostra

L’altra collezione è nata invece dalla grande passione di Giuseppe Iannaccone. Le opere da lui sapientemente collezionate rivelano una straordinaria capacità nelle scelte, guidate da una profonda coerenza concettuale e da una rara intelligenza critica, che hanno condotto l’avvocato verso una pittura connotata da un originale calore romantico ed espressionistico, come quella degli artisti di Corrente e della Scuola romana. 

Il titolo dell’esposizione, “Vissi d’arte”, sta a sottolineare proprio la grande passione che accomuna i due collezionisti spinti a dedicare un’intera vita alla ricerca ed al possesso di alcune opere entrate nel mirino del loro prorompente desiderio di bellezza. Cento di queste opere si potranno ammirare nella mostra livornese che sarà corredata di apparati didattici che consentiranno non solo di comprendere le ragioni dei due collezionisti, ma anche di conoscere la vita e l’opera dei maggiori artisti e dei movimenti affermatisi in Italia tra le due guerre.

Il catalogo, pubblicato da Forma edizioni, sarà arricchito da saggi critici e schede di approfondimento sulle singole opere esposte. 

“Vissi d’Arte”
Museo della Città – piazza del Luogo Pio (quartiere La Venezia)
30 ottobre 2020 – 31 gennaio 2021

Orario: dal martedì alla domenica orario continuato 9-19 (chiusa il lunedì)

Ingresso: biglietto intero 8 euro – ridotto 5 euro – visita guidata 2 euro a persona (con prenotazione)

 

 

Palazzo Roncale Piazza Vittorio Emanuele, 25, Rovigo

19 settembre 2020/ 17 gennaio 2021 

Nel 1321, per la seconda volta nella sua vita, Dante Alighieri si smarrì in una selva oscura. Questa volta, però, non si trattava di un’allegoria del peccato, come scrisse nel primo Canto della Divina Commedia, ma di un vero bosco, fitto di rovi, rami intricati e acquitrini. Era così, infatti, che si presentava il Delta del Po a quei tempi. E narra la tradizione popolare, che a salvarlo, in quel frangente, non fu Virgilio bensì un albero, un’enorme quercia sulla quale il Sommo Poeta si arrampicò per potersi orientare e ritrovare la diritta via. Che sia andata realmente così non ci è dato sapere: di certo la tradizione ha ormai identificato l’albero provvidenziale con il secolare esemplare di Quercus Robus che dominava l’argine del Po di Goro nei pressi di San Basilio, chiamato in dialetto locale “la Gran Rovra di San Basilio”.
Se il suo primo perdersi in una selva oscura è stato per Dante lo spunto per scrivere l’incipit di uno dei capolavori assoluti della letteratura mondiale, lo smarrimento della retta via nel Delta del Po è stato l’ispirazione, a quasi 700 anni dalla sua morte, per un articolato progetto culturale, intitolato appunto La Quercia di Dante.

Gustavo Dorè Inferno  Primo canto

Visioni dell’Inferno

Il fulcro del progetto è una mostra dal titolo Visioni dell’Inferno, dove protagonista assoluta sarà la prima delle tre Cantiche della Divina Commedia. Tre artisti, alle cui opere è stato affidato il compito di evocare i trentatré Canti (più il Prologo) in cui è narrata l’avventurosa discesa nelle viscere della Terra che porterà il poeta toscano e la sua guida al cospetto di Lucifero. Ma anche tre nazionalità e tre epoche diverse: le visioni degli inferi danteschi, infatti, sono quelle del francese Gustave Doré (Strasburgo, 6 gennaio 1832 – Parigi, 23 gennaio 1883), dello statunitense Robert Rauschenberg (Port Arthur, 22 ottobre 1925 – Captiva Island, 12 maggio 2008) e della tedesca, a noi contemporanea, Brigitte Brand.

Un artista per ognuno degli ultimi tre secoli: diversissime le sensibilità, diversissime le interpretazioni, diversissime le tecniche utilizzate.

Un altro Inferno è possibile

Dopo aver attraversato i tre cerchi infernali di Doré, di Rauschenberg e di Brand, il percorso prosegue verso gironi della mostra in cui sono ospitate visioni dell’Inferno particolarmente originali, capaci di sorprendere per la loro singolarità.

È il caso dell’Inferno di Patrick Waterhouse e Walter Hutton, due giovani artisti inglesi provenienti da Fabrica, il laboratorio creativo fondato da Luciano Benetton e Oliviero Toscani. Ai due ragazzi, che non avevano mai letto la Divina Commedia, è stato chiesto di tradurre l’Inferno attraverso la sensibilità e lo sguardo fresco e curioso di chi, non essendo mai stato influenzato dalle letture scolastiche, si accosta per la prima volta al capolavoro di Dante. Ne è nato L’Inferno di Dante. Una storia naturale, un volume illustrato e commentato dai due autori che si concentra sui dettagli che più li hanno incuriositi e sul complesso universo storico e metaforico creato da Dante.
Ancora più sorprendente è il girone successivo, L’Inferno di Topolino, nel quale è ospitata la prima edizione della parodia a fumetti della Divina Commedia, prodotta dalla Disney e pubblicata in Italia dall’ottobre del 1949 al marzo del 1950. Un vero e proprio poema, scritto in terzine ed endecasillabi, come l’originale, che ha per protagonisti Topolino, nel ruolo di Dante, e Pippo in quello di Virgilio.

Copie molto originali

Dopo questa divertente escursione in un Inferno a fumetti, la mostra si conclude con un’ultima tappa nella quale sono esposte alcune preziosissime edizioni del capolavoro di Dante custodite dall’Accademia dei Concordi, insieme ad altre eccezionalmente concesse dalla Biblioteca del Seminario Vescovile di Rovigo e pubblicate tra il Cinquecento e il Novecento.
Cominciando con la più antica: una copia del 1512, stampata a Venezia dallo Stagnino e commentata da Cristoforo Landino.

Palazzo Roncale

19 settembre 2020/ 17 gennaio 2021

venerdì dalle 9.00 alle 19.00
sabato e domenica dalle 9.00 alle 20.00

Ingresso gratuito

Per prenotare o avere informazioni chiamaci
da lunedì a venerdì dalle 9.30 alle 18.30
sabato dalle 9.30 alle 13.30

0425 460093 info@palazzoroverella.com

 

Palazzo Roncale Rovigo

 

Palazzo delle Muse (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Lorenzo Viani) Viareggio. 29 agosto 2020/ 21 Febbraio 2021

Corriere Fiorentino 29 Agosto 2020

Viareggio si racconta, racconta le sue anime diverse e le sue tante storie. Inaugurata il 29 agosto l’esposizione  è stata curata  da Maria Adriana Giusti Viareggio. Fino al 21 febbraio 2021 il Palazzo delle Muse di Piazza Mazzini ospita la mostra che mette a fuoco i secoli gloriosi e difficili della capitale della Versilia, il suo legame col mare, il suo mito romantico risucchiato dalla sua urbanizzazione galoppante. Una storia di cultura, di costume, una ricchezza intellettuale e una ricchezza e basta, anima popolare e anima snob (non per niente era da queste parti che ci si vestiva alla marinara), i cantieri navali, i pescherecci, il turismo di massa, i locali notturni, la mitica passeggiata prima tutta liberty in legno, svanita in un incendio che ha lasciato integra un’unica, storica struttura dove troneggia uno splendido affresco firmato Galileo Chini.

L’esposizione vuole celebrare due secoli di metamorfosi della città, mettendo in risalto la speciale identità che la lega al mare, alla dinamica delle coste, ai miti romantici, alla costruzione dell’immagine, alle attività ludiche e ricreative, alla nautica e ai cantieri. La città dalle due anime unite dal mare, sulla spiaggia e al di là del molo, è raccontata attraverso un itinerario diacronico che incrocia alcuni nuclei tematici come la Passeggiata, la Spiaggia, l’Architettura, il Paesaggio, le Arti, i Teatri, il Cinema, le Mode, il Carnevale, il Porto, le Darsene, la Nautica. L’obiettivo è costruire una visione interdisciplinare della città, dove l’effimero, non si contrappone, ma si compenetra con il permanente. L’itinerario attraversa personaggi come Maria Luisa, Carlo Lodovico di Borbone, Paolina Bonaparte, musicisti come Giovanni Pacini e Giacomo Puccini, artisti come Galileo Chini, Lorenzo Viani, Moses Levy.

Isaac Israëls Donna sulla spiaggia di Viareggio (Olio su tela, 1929)

Viareggio,la città nata dal mare. 200 anni di storia.

La mostra è visitabile nell’orario di apertura della Gamc: il mercoledì e il giovedì dalle 15.30 alle 19.30, il venerdì dalle 18 alle 23.30 il sabato e la domenica dalle 9.30 alle 13.30 e dalle 18 alle 23.30.

 

 

 

 

 

 

 La mostra dal 2 agosto al 4 ottobre 2020 al Fortino di Forte dei Marmi

Il Fortino di Leopoldo I di Forte dei Marmi dal 2 agosto fino al 4 ottobre ospita la mostra “All’aria aperta. Sguardi d’autore”, voluta e promossa dall’Assessorato alla Cultura in collaborazione con la Società di Belle Arti e patrocinata dalla Regione Toscana e la Provincia di Lucca.Il percorso, articolato in sei sezioni composte da circa cinquanta opere, (tra cui Giovanni Fattori, Moses Levy, Giuseppe de Nittis) è un viaggio alla riscoperta del paesaggio italiano nella sua identità e bellezza.

 “All’aria aperta. Sguardi d’Autore” è espressione di gusti e costumi diversi, che in mostra dialogano idealmente tra loro. Da un lato la Toscana campestre e cittadina di Fattori, Signorini, Ghiglia, Nomellini, dei Gioli e dei Tommasi, protagonisti e interpreti di ridenti frammenti di vita evocati con il sentimento e la genuinità della narrativa fuciniana. Dall’altro l’emancipata società internazionale colta in sereni momenti en plein air da De Nittis e Zandomeneghi, con una novità di linguaggio che apre la via all’arte moderna. É il caso di Léontine De Nittis sorridente in un prato di primavera, della giovane parigina assorta nella lettura, della signora con l’ombrellino e di Fernanda Ojetti nel roseto. Fanno da corollario le limpide marine di Giovanni Boldini e Moses Levy, testimonianze di oltre mezzo secolo di creatività in armonia con il mondo. Emblematico di una serenità, foriera del ritrovato entusiasmo, è Il ciliegio fiorito di Carlo Fornara, un inno alla vita nel segno della continuità e della speranza.

Mostra “All’aria aperta ….. sguardi d’autore“
2 agosto – 4 ottobre 2020
Forte Leopoldo I , Forte dei Marmi
Orario: agosto: tutti i giorni 18.30 -23.30, 27-28 agosto chiuso
settembre – ottobre: mercoledì, venerdì, sabato e domenica 10-12 / 16-19
Biglietti: 8 euro (ridotto 6 euro, gratuito per disabili e under 18)

Per informazioni: tel. 0584 280292, email forteinfo@comunefdm.it

19 luglio/27 settembre Gavinana-Pistoia

 Lo storico Palazzo Achilli a Gavinana (Pistoia), sede dell’Ecomuseo della Montagna Pistoiese,  ha riaperto i i battenti domenica 19 luglio a con due mostre dedicata alla natura dell’Appennino Pistoiese e alla storia risorgimentale.

Preziose Presenze, giunta alla seconda edizione, è l’esposizione fotografica dedicata alla fauna dell’Appennino Pistoiese, è organizzata da: Arabella’s Nature Photo Club con il patrocinio di Regione Toscana e Comune di San Marcello Piteglio.

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… È successo un 48: cimeli e documenti della Prima Guerra d’Indipendenza, è il titolo della mostra organizzata da Coordinamento Nazionale Associazioni Risorgimentali e Associazione Musicale e Culturale Domenico Achilli con il patrocinio di Comune di San Marcello Piteglio.

Saranno presenti i rappresentanti del Coordinamento nazionale delle associazioni risorgimentali, che illustreranno gli oggetti esposti.

Le mostre saranno visitabili fino al 27 settembre, da giovedì a domenica dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 18:30.

 

L’antica tradizione fiorentina delle pietre dure si rinnova grazie ad artisti e artigiani russi contemporanei raccontando storie, eroi e fiabe. Dal commesso fiorentino alla glittica: la collezione Shmotev in mostra da aprile a fine settembre 2020 

Sono esposte 27 opere contemporanee realizzate con una tecnica antichissima come quella della lavorazione delle pietre dure, aggiornata grazie a maestri dei giorni nostri. Ogni opera è accompagnata da una didascalia che descrive tutte le fasi di lavorazione, così il pubblico potrà essere affascinato non solo da forma, colori e contenuto ma anche da questa straordinaria tecnica realizzata grazie a un’ispirazione, un modello, un maestro intagliatore, un maestro levigatore e un maestro orafo.

Una serie di materiali preziosi si susseguono all’interno del percorso espositivo suddiviso in sette capitoli:

1) le pietre dure a Firenze, illustri precedenti; 2) personaggi della storia russa; 3) l’infanzia, i giochi e le attività nella Russia Antica; 4) eroi di fiabe e leggende; 5) lo «spirito» russo nell’arte ottocentesca; 6) visioni delle steppe asiatiche; 7) la magia delle pietre dure e la loro lavorazione.
La tradizione delle pietre dure nasce con il granduca Ferdinando I de’ Medici che, nel 1588, fonda l’Opificio delle Pietre Dure dando così avvio a un’originale tipologia di opera d’arte dove il genio artistico si coniuga con materiali preziosi e incorruttibili e con straordinarie abilità.
Una tecnica, che non ebbe pari in tutta Europa, e venne applicata a favore della realizzazione di sculture, reliquari, tavoli, mobili, fregi, vasi.

La tecnica conobbe vari rinnovamenti, seguendo il nuovo orientamento del gusto di corte, e nel XVIII secolo fu influenzata dal rococò prima e dal neoclassicismo poi.
L’istituzione nell’Ottocento di diversi laboratori portò a vari sviluppi e tra questi una nuova tipologia chiamata “mosaico fiorentino”, realizzata grazie a pietre tenere, paste vitree e conchiglie.

La mostra, curata da Ludmila Budrina, racconta l’intenzione della Shmotev Family Foundation di far conoscere al mondo le abilità, la tecnica dei contemporanei Maestri degli Urali. La Shmotev Family Foundation è un’organizzazione no profit fondata nel 2019 con l’obiettivo di promuovere il lavoro dei moderni maestri russi, diffondere opere nonché identificare e studiare monumenti storici e artistici.

Mostra Spirito Russo – Firenze *

Dal 24 aprile 2020 al 30 settembre 2020

Museo Stibbert, via Federico Stibbert 26 Firenze

Telefono: 055/475520

Orari di apertura: 10-14 lunedì, martedì, mercoledì; 10-18 venerdì, sabato e domenica. Giovedì chiuso

Costo: 8 euro; ridotto 6 euro

Dove acquistare: www.muesostibbert.it

Sito web: www.muesostibbert.it

* La  mostra Spirito Russo è stata rinviata a data a destinarsi a causa dell’emergenza Covid-19

 

 

 

Sabato 20 giugno alle ore 11:00 al Palazzo Pretorio di Terra del Sole è stata inaugurata la mostra “1836: ecco il Muraglione che unisce – La nuova strada provinciale di Romagna”, dedicata alla strada statale 67 una moderna via di comunicazione dell’Ottocento che, voluta da Leopoldo II e realizzata dall’ingegner Alessandro Manetti, cambiò  l’assetto sociale ed economico della Romagna Toscana e del Mugello.

Ha tagliato il nastro il sindaco di Castrocaro Terme e Terra del Sole, Marianna Tonellato, affiancata dal  presidente del Comitato della Romagna Toscana Luigi Pieraccini e dal presidente del Comitato Fiorentino per il Risorgimento Sergio Casprini

L’esposizione è curata da Susanna Rontani, Pier Luigi Farolfi, Andrea Bandini e Antonio Zaccaria  ed è anche il risultato dell’impegno del Comitato fiorentino del Risorgimento, di quello del Mugello Valdisieve e di quello della Romagna toscana, che l’anno scorso avevano  da una parte sostenuto L’accademia degli Incamminati  di Modigliana nel restauro della lapide posta sopra il Muraglione in memoria della realizzazione della strada, dall’altra  avevano promosso ricerche d’archivio  e  organizzato una  mostra ed un convegno  a Dicomano il 9 novembre del 2019 sul valore politico, culturale ed economico della strada del Muraglione

La mostra  attuale a Palazzo Pretorio di Terra del Sole è  un ulteriore approfondimento dei temi  della mostra di Dicomano  e  raccoglie importanti e inediti documenti provenienti da collezioni private, archivi comunali, museo degli Uffizi, Archivio di Stato di Firenze, Palazzo Pitti ed altre importanti istituzioni fiorentine che testimoniano con grande accuratezza non solo i lavori di realizzazione dell’asse viario ma anche i mutamenti che questa grandiosa opera causò nel territorio della Romagna Toscana, di cui divenne immediatamente la spina dorsale economica e sociale.

La mostra rimane aperta fino al 26 settembre nei seguenti giorni e orari:  martedì, giovedì, venerdì e sabato dalle 14:30 alle 18:30; mercoledì dalle 9:00 alle 12:30.
Per visite fuori orario, domenica e festivi contattare il numero 3357026444 oppure andrea_bandini@libero.it
Gli accessi saranno regolati secondo le norme vigenti.

Alessandro Minardi del Comitato Romagna Toscana presenta la mostra ai primi visitatori la mattina della inaugurazione

 

 

PALP Palazzo Pretorio Pontedera
8 dicembre 2019 – 26 aprile 2020

Dall’8 dicembre 2019 il PALP Palazzo Pretorio di Pontedera ospita la mostra Arcadia e Apocalisse. Paesaggi italiani in 150 anni di arte, fotografia, video e installazioni, ideata e curata da Daniela Fonti e Filippo Bacci di Capaci e promossa dalla Fondazione per la Cultura Pontedera, dal Comune di Pontedera, dalla Fondazione Pisa, con il patrocinio e il contributo della Regione Toscana. La mostra, che proseguirà sino al 26 aprile 2020, ha l’obiettivo di indagare il modo in cui il paesaggio è stato percepito e rappresentato artisticamente dal 1850 fino ai giorni nostri, mettendo in luce quelli che sono stati i cambiamenti in materia di estetica e di codici rappresentativi e cercando al contempo di sensibilizzare la coscienza dei visitatori sul tema del degrado ambientale.

Attraverso un lungo racconto che si avvale di opere pittoriche, scultoree, arti decorative, fotografia e nuovi media – dalla metà dell’Ottocento ad oggi – l’esposizione ruota intorno al pensiero creativo sul paesaggio, un genere pittorico ereditato dal Settecento come rispecchiamento della natura nell’arte, in antitesi alla pittura mitologica e di storia, che si libera dai suoi stereotipi senza però scomparire, per la capacità che il paesaggio stesso ha di rinnovare profondamente i propri significati e codici rappresentativi, di riflettere le radicali trasformazioni della cultura artistica italiana e della società nel suo complesso.
La mostra si articola in vari capitoli, dalla diversa estensione, che servendosi della pittura, della fotografia, più avanti del video, del film e delle installazioni, conducono lo spettatore ad immergersi nei sentimenti e nelle riflessioni che – di decennio in decennio – il paesaggio ha ispirato negli autori e nei fotografi e ad apprezzare e comprendere opere che vogliono essere, oltreché immagini coinvolgenti, anche documenti in cui si travasa l’intera cultura di un’epoca. La pittura di paesaggio è infatti il frutto di un processo molto complesso di interpretazione e ‘ricostruzione’ della natura, che coinvolge il momento storico di riferimento con il suo sistema di relazioni, la cultura artistica cui l’autore appartiene e la storia individuale. Sentimenti e riflessioni che nel corso della lunga trasformazione del Bel Paese, trapassano dalla scoperta, in epoca ottocentesca, di un “paesaggio italiano” ereditato dal “Grand Tour” offerto alla modernità come cornice d’inalterata bellezza, alla testimonianza delle azioni talvolta violente che la storia ha inflitto al territorio italiano (dalle demolizioni alle devastazioni delle guerre), agli sconvolgimenti legati all’epoca della ricostruzione postbellica, al definitivo tramonto del mito post-romantico e alla  sua sostituzione con azioni di trasformazione così invasive e devastanti da far presagire una imminente Apocalisse.

Arcadia e Apocalisse. Paesaggi italiani in 150 anni di arte, fotografia, video e installazioni è organizzata con la consulenza di Paolo Antognoli, Giovanna Conti, Alessandro Romanini e Francesco Tetro. La sezione fotografia è a cura di Maria Francesca Bonetti.

Piazza Curtatone e Montanara, Pontedera (PI)
Orario: da martedì a venerdì 10-19, sabato, domenica e festivi 10-20, lunedì chiuso
Ingresso: intero € 8, ridotto € 6 e 3
Tel. +39 0587 468487 – +39 331 1542017
e.mail: info@pontederaperlacultura.it – www.palp-pontedera.it