Mostre

 

Palazzo Roncale Piazza Vittorio Emanuele, 25, Rovigo

19 settembre 2020/ 17 gennaio 2021 

Nel 1321, per la seconda volta nella sua vita, Dante Alighieri si smarrì in una selva oscura. Questa volta, però, non si trattava di un’allegoria del peccato, come scrisse nel primo Canto della Divina Commedia, ma di un vero bosco, fitto di rovi, rami intricati e acquitrini. Era così, infatti, che si presentava il Delta del Po a quei tempi. E narra la tradizione popolare, che a salvarlo, in quel frangente, non fu Virgilio bensì un albero, un’enorme quercia sulla quale il Sommo Poeta si arrampicò per potersi orientare e ritrovare la diritta via. Che sia andata realmente così non ci è dato sapere: di certo la tradizione ha ormai identificato l’albero provvidenziale con il secolare esemplare di Quercus Robus che dominava l’argine del Po di Goro nei pressi di San Basilio, chiamato in dialetto locale “la Gran Rovra di San Basilio”.
Se il suo primo perdersi in una selva oscura è stato per Dante lo spunto per scrivere l’incipit di uno dei capolavori assoluti della letteratura mondiale, lo smarrimento della retta via nel Delta del Po è stato l’ispirazione, a quasi 700 anni dalla sua morte, per un articolato progetto culturale, intitolato appunto La Quercia di Dante.

Gustavo Dorè Inferno  Primo canto

Visioni dell’Inferno

Il fulcro del progetto è una mostra dal titolo Visioni dell’Inferno, dove protagonista assoluta sarà la prima delle tre Cantiche della Divina Commedia. Tre artisti, alle cui opere è stato affidato il compito di evocare i trentatré Canti (più il Prologo) in cui è narrata l’avventurosa discesa nelle viscere della Terra che porterà il poeta toscano e la sua guida al cospetto di Lucifero. Ma anche tre nazionalità e tre epoche diverse: le visioni degli inferi danteschi, infatti, sono quelle del francese Gustave Doré (Strasburgo, 6 gennaio 1832 – Parigi, 23 gennaio 1883), dello statunitense Robert Rauschenberg (Port Arthur, 22 ottobre 1925 – Captiva Island, 12 maggio 2008) e della tedesca, a noi contemporanea, Brigitte Brand.

Un artista per ognuno degli ultimi tre secoli: diversissime le sensibilità, diversissime le interpretazioni, diversissime le tecniche utilizzate.

Un altro Inferno è possibile

Dopo aver attraversato i tre cerchi infernali di Doré, di Rauschenberg e di Brand, il percorso prosegue verso gironi della mostra in cui sono ospitate visioni dell’Inferno particolarmente originali, capaci di sorprendere per la loro singolarità.

È il caso dell’Inferno di Patrick Waterhouse e Walter Hutton, due giovani artisti inglesi provenienti da Fabrica, il laboratorio creativo fondato da Luciano Benetton e Oliviero Toscani. Ai due ragazzi, che non avevano mai letto la Divina Commedia, è stato chiesto di tradurre l’Inferno attraverso la sensibilità e lo sguardo fresco e curioso di chi, non essendo mai stato influenzato dalle letture scolastiche, si accosta per la prima volta al capolavoro di Dante. Ne è nato L’Inferno di Dante. Una storia naturale, un volume illustrato e commentato dai due autori che si concentra sui dettagli che più li hanno incuriositi e sul complesso universo storico e metaforico creato da Dante.
Ancora più sorprendente è il girone successivo, L’Inferno di Topolino, nel quale è ospitata la prima edizione della parodia a fumetti della Divina Commedia, prodotta dalla Disney e pubblicata in Italia dall’ottobre del 1949 al marzo del 1950. Un vero e proprio poema, scritto in terzine ed endecasillabi, come l’originale, che ha per protagonisti Topolino, nel ruolo di Dante, e Pippo in quello di Virgilio.

Copie molto originali

Dopo questa divertente escursione in un Inferno a fumetti, la mostra si conclude con un’ultima tappa nella quale sono esposte alcune preziosissime edizioni del capolavoro di Dante custodite dall’Accademia dei Concordi, insieme ad altre eccezionalmente concesse dalla Biblioteca del Seminario Vescovile di Rovigo e pubblicate tra il Cinquecento e il Novecento.
Cominciando con la più antica: una copia del 1512, stampata a Venezia dallo Stagnino e commentata da Cristoforo Landino.

Palazzo Roncale

19 settembre 2020/ 17 gennaio 2021

venerdì dalle 9.00 alle 19.00
sabato e domenica dalle 9.00 alle 20.00

Ingresso gratuito

Per prenotare o avere informazioni chiamaci
da lunedì a venerdì dalle 9.30 alle 18.30
sabato dalle 9.30 alle 13.30

0425 460093 info@palazzoroverella.com

 

Palazzo Roncale Rovigo

 

Palazzo delle Muse (Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea Lorenzo Viani) Viareggio. 29 agosto 2020/ 21 Febbraio 2021

Corriere Fiorentino 29 Agosto 2020

Viareggio si racconta, racconta le sue anime diverse e le sue tante storie. Inaugurata il 29 agosto l’esposizione  è stata curata  da Maria Adriana Giusti Viareggio. Fino al 21 febbraio 2021 il Palazzo delle Muse di Piazza Mazzini ospita la mostra che mette a fuoco i secoli gloriosi e difficili della capitale della Versilia, il suo legame col mare, il suo mito romantico risucchiato dalla sua urbanizzazione galoppante. Una storia di cultura, di costume, una ricchezza intellettuale e una ricchezza e basta, anima popolare e anima snob (non per niente era da queste parti che ci si vestiva alla marinara), i cantieri navali, i pescherecci, il turismo di massa, i locali notturni, la mitica passeggiata prima tutta liberty in legno, svanita in un incendio che ha lasciato integra un’unica, storica struttura dove troneggia uno splendido affresco firmato Galileo Chini.

L’esposizione vuole celebrare due secoli di metamorfosi della città, mettendo in risalto la speciale identità che la lega al mare, alla dinamica delle coste, ai miti romantici, alla costruzione dell’immagine, alle attività ludiche e ricreative, alla nautica e ai cantieri. La città dalle due anime unite dal mare, sulla spiaggia e al di là del molo, è raccontata attraverso un itinerario diacronico che incrocia alcuni nuclei tematici come la Passeggiata, la Spiaggia, l’Architettura, il Paesaggio, le Arti, i Teatri, il Cinema, le Mode, il Carnevale, il Porto, le Darsene, la Nautica. L’obiettivo è costruire una visione interdisciplinare della città, dove l’effimero, non si contrappone, ma si compenetra con il permanente. L’itinerario attraversa personaggi come Maria Luisa, Carlo Lodovico di Borbone, Paolina Bonaparte, musicisti come Giovanni Pacini e Giacomo Puccini, artisti come Galileo Chini, Lorenzo Viani, Moses Levy.

Isaac Israëls Donna sulla spiaggia di Viareggio (Olio su tela, 1929)

Viareggio,la città nata dal mare. 200 anni di storia.

La mostra è visitabile nell’orario di apertura della Gamc: il mercoledì e il giovedì dalle 15.30 alle 19.30, il venerdì dalle 18 alle 23.30 il sabato e la domenica dalle 9.30 alle 13.30 e dalle 18 alle 23.30.

 

 

 

 

 

 

 La mostra dal 2 agosto al 4 ottobre 2020 al Fortino di Forte dei Marmi

Il Fortino di Leopoldo I di Forte dei Marmi dal 2 agosto fino al 4 ottobre ospita la mostra “All’aria aperta. Sguardi d’autore”, voluta e promossa dall’Assessorato alla Cultura in collaborazione con la Società di Belle Arti e patrocinata dalla Regione Toscana e la Provincia di Lucca.Il percorso, articolato in sei sezioni composte da circa cinquanta opere, (tra cui Giovanni Fattori, Moses Levy, Giuseppe de Nittis) è un viaggio alla riscoperta del paesaggio italiano nella sua identità e bellezza.

 “All’aria aperta. Sguardi d’Autore” è espressione di gusti e costumi diversi, che in mostra dialogano idealmente tra loro. Da un lato la Toscana campestre e cittadina di Fattori, Signorini, Ghiglia, Nomellini, dei Gioli e dei Tommasi, protagonisti e interpreti di ridenti frammenti di vita evocati con il sentimento e la genuinità della narrativa fuciniana. Dall’altro l’emancipata società internazionale colta in sereni momenti en plein air da De Nittis e Zandomeneghi, con una novità di linguaggio che apre la via all’arte moderna. É il caso di Léontine De Nittis sorridente in un prato di primavera, della giovane parigina assorta nella lettura, della signora con l’ombrellino e di Fernanda Ojetti nel roseto. Fanno da corollario le limpide marine di Giovanni Boldini e Moses Levy, testimonianze di oltre mezzo secolo di creatività in armonia con il mondo. Emblematico di una serenità, foriera del ritrovato entusiasmo, è Il ciliegio fiorito di Carlo Fornara, un inno alla vita nel segno della continuità e della speranza.

Mostra “All’aria aperta ….. sguardi d’autore“
2 agosto – 4 ottobre 2020
Forte Leopoldo I , Forte dei Marmi
Orario: agosto: tutti i giorni 18.30 -23.30, 27-28 agosto chiuso
settembre – ottobre: mercoledì, venerdì, sabato e domenica 10-12 / 16-19
Biglietti: 8 euro (ridotto 6 euro, gratuito per disabili e under 18)

Per informazioni: tel. 0584 280292, email forteinfo@comunefdm.it

19 luglio/27 settembre Gavinana-Pistoia

 Lo storico Palazzo Achilli a Gavinana (Pistoia), sede dell’Ecomuseo della Montagna Pistoiese,  ha riaperto i i battenti domenica 19 luglio a con due mostre dedicata alla natura dell’Appennino Pistoiese e alla storia risorgimentale.

Preziose Presenze, giunta alla seconda edizione, è l’esposizione fotografica dedicata alla fauna dell’Appennino Pistoiese, è organizzata da: Arabella’s Nature Photo Club con il patrocinio di Regione Toscana e Comune di San Marcello Piteglio.

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… È successo un 48: cimeli e documenti della Prima Guerra d’Indipendenza, è il titolo della mostra organizzata da Coordinamento Nazionale Associazioni Risorgimentali e Associazione Musicale e Culturale Domenico Achilli con il patrocinio di Comune di San Marcello Piteglio.

Saranno presenti i rappresentanti del Coordinamento nazionale delle associazioni risorgimentali, che illustreranno gli oggetti esposti.

Le mostre saranno visitabili fino al 27 settembre, da giovedì a domenica dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 18:30.

 

L’antica tradizione fiorentina delle pietre dure si rinnova grazie ad artisti e artigiani russi contemporanei raccontando storie, eroi e fiabe. Dal commesso fiorentino alla glittica: la collezione Shmotev in mostra da aprile a fine settembre 2020 

Sono esposte 27 opere contemporanee realizzate con una tecnica antichissima come quella della lavorazione delle pietre dure, aggiornata grazie a maestri dei giorni nostri. Ogni opera è accompagnata da una didascalia che descrive tutte le fasi di lavorazione, così il pubblico potrà essere affascinato non solo da forma, colori e contenuto ma anche da questa straordinaria tecnica realizzata grazie a un’ispirazione, un modello, un maestro intagliatore, un maestro levigatore e un maestro orafo.

Una serie di materiali preziosi si susseguono all’interno del percorso espositivo suddiviso in sette capitoli:

1) le pietre dure a Firenze, illustri precedenti; 2) personaggi della storia russa; 3) l’infanzia, i giochi e le attività nella Russia Antica; 4) eroi di fiabe e leggende; 5) lo «spirito» russo nell’arte ottocentesca; 6) visioni delle steppe asiatiche; 7) la magia delle pietre dure e la loro lavorazione.
La tradizione delle pietre dure nasce con il granduca Ferdinando I de’ Medici che, nel 1588, fonda l’Opificio delle Pietre Dure dando così avvio a un’originale tipologia di opera d’arte dove il genio artistico si coniuga con materiali preziosi e incorruttibili e con straordinarie abilità.
Una tecnica, che non ebbe pari in tutta Europa, e venne applicata a favore della realizzazione di sculture, reliquari, tavoli, mobili, fregi, vasi.

La tecnica conobbe vari rinnovamenti, seguendo il nuovo orientamento del gusto di corte, e nel XVIII secolo fu influenzata dal rococò prima e dal neoclassicismo poi.
L’istituzione nell’Ottocento di diversi laboratori portò a vari sviluppi e tra questi una nuova tipologia chiamata “mosaico fiorentino”, realizzata grazie a pietre tenere, paste vitree e conchiglie.

La mostra, curata da Ludmila Budrina, racconta l’intenzione della Shmotev Family Foundation di far conoscere al mondo le abilità, la tecnica dei contemporanei Maestri degli Urali. La Shmotev Family Foundation è un’organizzazione no profit fondata nel 2019 con l’obiettivo di promuovere il lavoro dei moderni maestri russi, diffondere opere nonché identificare e studiare monumenti storici e artistici.

Mostra Spirito Russo – Firenze *

Dal 24 aprile 2020 al 30 settembre 2020

Museo Stibbert, via Federico Stibbert 26 Firenze

Telefono: 055/475520

Orari di apertura: 10-14 lunedì, martedì, mercoledì; 10-18 venerdì, sabato e domenica. Giovedì chiuso

Costo: 8 euro; ridotto 6 euro

Dove acquistare: www.muesostibbert.it

Sito web: www.muesostibbert.it

* La  mostra Spirito Russo è stata rinviata a data a destinarsi a causa dell’emergenza Covid-19

 

 

 

Sabato 20 giugno alle ore 11:00 al Palazzo Pretorio di Terra del Sole è stata inaugurata la mostra “1836: ecco il Muraglione che unisce – La nuova strada provinciale di Romagna”, dedicata alla strada statale 67 una moderna via di comunicazione dell’Ottocento che, voluta da Leopoldo II e realizzata dall’ingegner Alessandro Manetti, cambiò  l’assetto sociale ed economico della Romagna Toscana e del Mugello.

Ha tagliato il nastro il sindaco di Castrocaro Terme e Terra del Sole, Marianna Tonellato, affiancata dal  presidente del Comitato della Romagna Toscana Luigi Pieraccini e dal presidente del Comitato Fiorentino per il Risorgimento Sergio Casprini

L’esposizione è curata da Susanna Rontani, Pier Luigi Farolfi, Andrea Bandini e Antonio Zaccaria  ed è anche il risultato dell’impegno del Comitato fiorentino del Risorgimento, di quello del Mugello Valdisieve e di quello della Romagna toscana, che l’anno scorso avevano  da una parte sostenuto L’accademia degli Incamminati  di Modigliana nel restauro della lapide posta sopra il Muraglione in memoria della realizzazione della strada, dall’altra  avevano promosso ricerche d’archivio  e  organizzato una  mostra ed un convegno  a Dicomano il 9 novembre del 2019 sul valore politico, culturale ed economico della strada del Muraglione

La mostra  attuale a Palazzo Pretorio di Terra del Sole è  un ulteriore approfondimento dei temi  della mostra di Dicomano  e  raccoglie importanti e inediti documenti provenienti da collezioni private, archivi comunali, museo degli Uffizi, Archivio di Stato di Firenze, Palazzo Pitti ed altre importanti istituzioni fiorentine che testimoniano con grande accuratezza non solo i lavori di realizzazione dell’asse viario ma anche i mutamenti che questa grandiosa opera causò nel territorio della Romagna Toscana, di cui divenne immediatamente la spina dorsale economica e sociale.

La mostra rimane aperta fino al 26 settembre nei seguenti giorni e orari:  martedì, giovedì, venerdì e sabato dalle 14:30 alle 18:30; mercoledì dalle 9:00 alle 12:30.
Per visite fuori orario, domenica e festivi contattare il numero 3357026444 oppure andrea_bandini@libero.it
Gli accessi saranno regolati secondo le norme vigenti.

Alessandro Minardi del Comitato Romagna Toscana presenta la mostra ai primi visitatori la mattina della inaugurazione

 

 

PALP Palazzo Pretorio Pontedera
8 dicembre 2019 – 26 aprile 2020

Dall’8 dicembre 2019 il PALP Palazzo Pretorio di Pontedera ospita la mostra Arcadia e Apocalisse. Paesaggi italiani in 150 anni di arte, fotografia, video e installazioni, ideata e curata da Daniela Fonti e Filippo Bacci di Capaci e promossa dalla Fondazione per la Cultura Pontedera, dal Comune di Pontedera, dalla Fondazione Pisa, con il patrocinio e il contributo della Regione Toscana. La mostra, che proseguirà sino al 26 aprile 2020, ha l’obiettivo di indagare il modo in cui il paesaggio è stato percepito e rappresentato artisticamente dal 1850 fino ai giorni nostri, mettendo in luce quelli che sono stati i cambiamenti in materia di estetica e di codici rappresentativi e cercando al contempo di sensibilizzare la coscienza dei visitatori sul tema del degrado ambientale.

Attraverso un lungo racconto che si avvale di opere pittoriche, scultoree, arti decorative, fotografia e nuovi media – dalla metà dell’Ottocento ad oggi – l’esposizione ruota intorno al pensiero creativo sul paesaggio, un genere pittorico ereditato dal Settecento come rispecchiamento della natura nell’arte, in antitesi alla pittura mitologica e di storia, che si libera dai suoi stereotipi senza però scomparire, per la capacità che il paesaggio stesso ha di rinnovare profondamente i propri significati e codici rappresentativi, di riflettere le radicali trasformazioni della cultura artistica italiana e della società nel suo complesso.
La mostra si articola in vari capitoli, dalla diversa estensione, che servendosi della pittura, della fotografia, più avanti del video, del film e delle installazioni, conducono lo spettatore ad immergersi nei sentimenti e nelle riflessioni che – di decennio in decennio – il paesaggio ha ispirato negli autori e nei fotografi e ad apprezzare e comprendere opere che vogliono essere, oltreché immagini coinvolgenti, anche documenti in cui si travasa l’intera cultura di un’epoca. La pittura di paesaggio è infatti il frutto di un processo molto complesso di interpretazione e ‘ricostruzione’ della natura, che coinvolge il momento storico di riferimento con il suo sistema di relazioni, la cultura artistica cui l’autore appartiene e la storia individuale. Sentimenti e riflessioni che nel corso della lunga trasformazione del Bel Paese, trapassano dalla scoperta, in epoca ottocentesca, di un “paesaggio italiano” ereditato dal “Grand Tour” offerto alla modernità come cornice d’inalterata bellezza, alla testimonianza delle azioni talvolta violente che la storia ha inflitto al territorio italiano (dalle demolizioni alle devastazioni delle guerre), agli sconvolgimenti legati all’epoca della ricostruzione postbellica, al definitivo tramonto del mito post-romantico e alla  sua sostituzione con azioni di trasformazione così invasive e devastanti da far presagire una imminente Apocalisse.

Arcadia e Apocalisse. Paesaggi italiani in 150 anni di arte, fotografia, video e installazioni è organizzata con la consulenza di Paolo Antognoli, Giovanna Conti, Alessandro Romanini e Francesco Tetro. La sezione fotografia è a cura di Maria Francesca Bonetti.

Piazza Curtatone e Montanara, Pontedera (PI)
Orario: da martedì a venerdì 10-19, sabato, domenica e festivi 10-20, lunedì chiuso
Ingresso: intero € 8, ridotto € 6 e 3
Tel. +39 0587 468487 – +39 331 1542017
e.mail: info@pontederaperlacultura.it – www.palp-pontedera.it

 

Dopo Caravaggio. Il Seicento Napoletano nelle Collezioni di Palazzo Pretorio e della Fondazione De Vito

Palazzo Pretorio, Piazza del Comune 2, Prato

14 dicembre 2019 / 13 aprile 2020

 

 Dipinti “mai visti” della Fondazione de Vito insieme alle tele più suggestive del Seicento del Museo di Palazzo Pretorio danno vita ad un percorso espositivo che vuole raccontare l’impatto determinante della pittura di Caravaggio sugli artisti di scuola napoletana nel XVII secolo attraverso una scelta di opere delle due collezioni.

 La mostra, organizzata dal Comune di Prato in collaborazione con la Fondazione De Vito e curata da Rita Iacopino e Nadia Bastogi,  presenta un numero di dipinti non elevato, ma di grande qualità, e si articola intorno ad alcune delle personalità più rilevanti della scena artistica partenopea. I dipinti di Palazzo Pretorio dialogano con quelli della collezione De Vito, secondo una sequenza cronologica, stilistica e tematica: un viaggio che inizia con il naturalismo post caravaggesco, nelle diverse interpretazioni degli artisti napoletani, fino ad arrivare all’espressività pittorica del linguaggio barocco;  un itinerario in cui Battistello Caracciolo, Jusepe de Ribera, il Maestro dell’Annuncio ai Pastori, Bernardo Cavallino, Mattia Preti, Nicola Malinconico segnano le tappe di un’emozionante esperienza visiva ed emotiva.

 

Palazzo Pretorio  Aperto tutti i giorni (escluso martedì) dalle 10:30 alle 18:30

Biglietto museo e mostra: 10 € intero,

 8 € ridotto (trenitalia, coop Firenze, soci Arci, Soci Touring, Soci FAI),

 6  € (possessori voucher partecipazione EatPrato Winter. Validità 14/12-6/1),

4 € ridotto (Under 26)
Info e prenotazioni: Tel. +39 0574 24112 da lunedì a sabato 9.30-19; domenica 9.30 18.30

museo.palazzopretorio@comune.prato.it www.palazzopretorio.prato.it
prenotazioni.museiprato@coopculture.it 

Museo della Città  di Livorno

7 novembre 2019 / 16 febbraio 2020

L’esposizione Modigliani e l’avventura di Montparnasse. Capolavori dalle collezioni Netter e Alexandre è organizzata dal Comune di Livorno insieme all’Istituto Restellini di Parigi con la partecipazione della Fondazione Livorno, è curata da Marc Restellini con il coordinamento di Sergio Risaliti ed offre al pubblico l’occasione di ammirare ben 26 opere di Modigliani tra dipinti e disegni.
Per celebrare il centenario della morte del pittore, saranno eccezionalmente riuniti nelle sale del Museo della Città, i dipinti e disegni appartenuti ai due collezionisti più importanti che lo hanno accompagnato e sostenuto nella sua vita. Paul Alexandre, primo fra tutti, che era al centro di un legame tra Livorno e Parigi, che lo ha sostenuto al suo arrivo a Parigi e che lo ha aiutato nel progetto scultoreo delle Cariatidi oltre che durante i suoi ritorni a Livorno nel 1909 e 1913. Ma anche e soprattutto Jonas Netter che ha riunito, come un esperto e geniale collezionista, i più bei capolavori del giovane livornese. Tra le opere in mostra sarà visibile il ritratto Fillette en Bleu del 1918, opera di grandi dimensioni che raffigura una bambina di circa 8-10 anni il cui vestitino e il muro retrostante sono dipinti di un delicato colore azzurro, in un ambiente ricolmo di dolcezza e innocenza; il ritratto di Chaïm Soutine del 1916, suo caro amico durante gli anni parigini più difficili, seduto con le mani appoggiate sulle ginocchia, dove si percepisce la grande sintonia tra i due e la stima che Soutine provava per  Modigliani; il ritratto Elvire au col blanc (Elvire à la collerette) dipinto tra il ’18 e il ’19 raffigurante la giovane Elvira, ritratta da Modigliani ben quattro volte, due da vestita e due nuda, conosciuta ed ammirata a Parigi per la sua folgorante bellezza e per il suo caldo temperamento italiano; il ritratto Jeune fille rousse (Jeanne Hébuterne) del 1919, che ritrae la bella Jeanne Hébuterne di tre quarti mentre si rivolge allo spettatore in un atteggiamento pieno di naturalezza ed eleganza e capace di catture l’attenzione con suoi profondi occhi azzurri. Dei disegni si possono ammirare alcune Cariaditi tra i quali la Cariatide (bleue) del 1913. Il disegno appartiene al secondo ciclo che, a differenza del primo – costituito da studi per sculture ispirate all’arte primitiva – non è uno schizzo preparatorio, ma un’opera a sé stante dove la figura femminile è più rotonda e voluttuosa con contorni più sfumati e colorati.
Insieme alle opere di Modigliani saranno esposti, inoltre, un centinaio di altri capolavori, anch’essi collezionati da Jonas Netter a partire dal 1915, opere rappresentative della grande École de Paris. Tra queste si potranno ammirare i dipinti di Chaïm Soutine come L’Escalier rouge à Cagnes, La Folle, L’Homme au chapeau e Autoportrait au rideau, eseguite dal 1917 al 1920, che ben rappresentano la poetica dell’artista e la sua maniera di rappresentare la realtà in modo atemporale e come espressione di tragedia interiore. Nell’Autoritratto, in particolare, Soutine si mette alla prova nel ritrarsi come i grandi artisti del passato, che tanto ammirava, in una posa quasi anonima e con lo sguardo senza rughe ma preoccupato, con le mani fuori dal campo, la cui faccia, con i piani irregolari, emerge da una sciarpa verde; opere di Maurice Utrillo come Place de l’église à Montmagny, Rue Marcadet à Paris, Paysage de Corse, dipinti dove gli spazi sono sereni e dove tutto è calmo e silenzioso, dove nulla traspare dei suoi soggiorni negli ospedali psichiatrici per tentati suicidi legati alla dipendenza dall’alcol; opere di Suzanne Valadon come le Trois nus à la campagne, con donne nude in aperta campagna, tema molto caro a Renoir e a Cézanne oltre che ad Andrè Derain che con Le Grand Bagneuses ha realizzato un’opera considerata uno dei capisaldi dell’arte moderna e dipinti come St.tropez e Portrait d’homme (Jonas Netter) di Moïse Kisling, artista polacco che ci ha lasciato uno dei ritratti più emblematici del collezionista Jonas Netter.

Livorno attendeva da un secolo questa mostra.
Qui, Amedeo, si era formato artisticamente studiando i macchiaioli, qui si era ammalato per la prima volta gravemente ed era riuscito miracolosamente a guarire fino alla partenza per Parigi, centro nevralgico della scena e del mercato artistico, dove ebbe modo di esprimere il suo straordinario talento.  Nella Ville Lumière, immergendosi nell’avanguardia artistica di allora, Amedeo aveva trovato l’energia necessaria per essere invincibile, come artista, come demiurgo e come detentore di verità e di conoscenza, alla pari dei più grandi del suo tempo. Era quasi riuscito a nascondere a sé stesso la malattia, la dipendenza, l’inesorabile destino. La sua cultura, la sua erudizione, il suo talento, il suo fascino e il suo carisma fecero il resto. Ma a Livorno Modigliani restò sempre legato, tanto da tornarci più volte nel corso della sua breve vita.
Per il curatore, Marc Restellini: “La mostra è un ritorno a casa, sono felice di questa occasione e ringrazio e mi complimento con tutta l’Amministrazione per il coraggio e la rapidità delle scelte. Non poteva esserci decisione migliore di portare la mostra di Modigliani nella sua città nell’anniversario del centenario della morte. Qui a Livorno Amedeo Modigliani ha sviluppato la sua capacità creativa e lo spiritualismo ebraico e qui a Livorno mi auguro che la storia, e non solo il mercato, possano approfittare di questa meravigliosa opportunità per dargli la giusta posizione nella storia dell’arte occidentale”.
Anche per il Sindaco Luca Salvetti la mostra è un’occasione unica e irripetibile: “Un evento che per Livorno ha una valenza eccezionale. Amedeo Modigliani torna nella sua Livorno, dove è nato e si è formato artisticamente. Avrebbe voluto farlo in quel lontano 1920, in cui la vita lo ha lasciato, avrebbe voluto tornare a vivere a Livorno con la sua Jeanne. Lo aveva detto agli amici pittori, a Parigi in molti sapevano. Ma la sorte ha avuto altre mire per lui. A 100 anni dalla morte siamo riusciti, con grande coraggio, a far tornare l’anima di Dedo nella sua città. Anima rappresentata dalle sue opere, le più belle, che per quattro mesi troveranno dimora nelle sale del Museo della Città”.
La mostra sarà accompagnata da un catalogo, curato da Marc Restellini, pubblicato da Sillabe. www.mostramodigliani.livorno.it

Modigliani e l’avventura di Montparnasse – Capolavori dalle collezioni Netter e Alexandre

 MUSEO DELLA CITTA’

Piazza del Luogo Pio, Livorno

7 novembre 2019 – 16 febbraio 2020

 Orario della mostra

Lunedì – Giovedì ore 10.00  – 19.00

Venerdì, Sabato e domenica ore 10.00 – 23.00

Aperta anche a Natale e Capodanno

Direzione artistica della mostra

Marc Restellini

 Cura della mostra

Marc Restellini

 Coordinamento

Sergio Risaliti

 Prezzo del biglietto

biglietto intero: € 15,00

biglietto ridotto: € 10,00 (per minori anni 18 e maggiori di anni 65)

Audioguida  € 3

Costo prevendita € 1 per i biglietti soggetti a vendita on line, ad eccezione dei biglietti ridotti per gruppi scolastici da € 5, che saranno soggetti ad un costo di prevendita pari a € 0,50

Visita guidata in lingua italiana € 75 fino a un massimo di 25 persone

 

 

 

Villa Correr Pisani  di Montebelluna- Treviso

Localizzato nel complesso monumentale di Villa Correr Pisani di Montebelluna, il Memoriale Veneto della Grande Guerra (MEVE) è uno spazio interattivo e multimediale dedicato ai conflitti e agli eventi che hanno segnato l’ultimo secolo della nostra storia a partire dal primo conflitto mondiale. Con i suoi 2.300 mq di esposizione propone un nuovo modo di guardare alla guerra in relazione all’ambiente, ai paesaggi, agli apparati e agli uomini che ne sono stati protagonisti con l’obiettivo di interpretare il nostro presente. Nato sul modello del Memoriale di Caen in Francia, è un’occasione unica a livello nazionale per riflettere sulla nostra contemporaneità e sulle eredità di un conflitto che ha cambiato per sempre la storia e i comportamenti di milioni di persone.

Orari e tariffe

ORARI ESTIVI DAL 22 GIUGNO AL 29 SETTEMBRE 2019:

Da martedì a venerdì: 10:00-12:00 e 14:30-17:30
Sabato e domenica: 15:30-19:30

 A PARTIRE DAL 1 OTTOBRE 2019 ENTRA IN VIGORE L’ORARIO INVERNALE:
Da martedì a venerdì: 10:00-12:00 e 14:30-17:30
Sabato e domenica: 10:00-18:00
Apertura per gruppi e scuole su prenotazione: orario continuato, tutti i giorni dalle 9.00 alle 17.00.
Chiuso lunedì e nei giorni: Natale, Capodanno, Pasqua, 1 maggio, 2 giugno, 15 agosto, 1 novembre 

Tariffe:
Intero: €6,00;
Ridotto: €4,00  (Giovani fino ai 26 anni compiuti, adulti oltre 65 anni, gruppi minimo 10 persone, persone con disabilità);
Fino al 2 dicembre 2017 è accessibile alle carrozzine solo il piano terra-Sezione archeologica.
Gratuito: Bambini sotto ai 6 anni, Insegnanti con tesserino ministeriale o certificazione da parte della scuola, giornalisti muniti di tesserino, blogger con accredito rilasciato dal museo, accompagnatore di persona disabile, minore nel giorno del suo compleanno e accompagnatore, adulto nel giorno del suo compleanno, soci ICOM e ANMS; 
Pacchetto famiglia: €15,00 (2 adulti+ massimo 3 figli sotto i 18 anni)
Offerta nonno/a-nipote: €4,00  (offerta valida solo dal martedì al venerdì, ogni nipote aggiunto, +€1,00 euro)