Mostre

Lezione teorica di agraria con la professoressa Carolina Valvassori, 1915

 

Riconoscere il merito, superare i pregiudizi:

scienziate ai Georgofili (1753 – 1911) 

 

Caterina Ruggi d’Aragona Corriere Fiorentino 4 gennaio 2022 

«Le donne son venute in eccellenza/di ciascun’arte ov’hanno preso cura», scriveva Ariosto nel Canto XX dell’Orlando Furioso. Erano i primi anni del XVI secolo. I talenti femminili sono però rimasti a lungo nell’ombra. Nella comunità scientifica, in particolare, la storia ne rintraccia una presenza «consentita solo fino a quando resta ufficiosa e invisibile». Lo chiarisce Federica Favino nell’introduzione al volume Donne e scienza nella Roma dell’Ottocento.

Soltanto ora, per prima, l’Accademia dei Georgofili di Firenze, che ha accompagnato lo sviluppo delle scienze agrarie, fa emergere dal buio le sue prime socie donne. Dal poderoso lavoro di recupero dei registri manoscritti in cui sono annotati i 2.500 accademici corrispondenti nei suoi primi 150 anni di attività (dal 1753 al 1864) sono infatti emersi tre nomi di donne: Teresa Paveri Invrea, Elisabetta Fiorini e Caterina Scarpellini. A cui è stata accostata Carolina Franceschinis Valvassori, eletta nel 1911.  Una chimica, una botanica, un’astronoma e un’agronoma: a queste quattro figure singolari è dedicata la mostra virtuale Riconoscere il merito, superare i pregiudizi: scienziate ai Georgofili (1753 – 1911), online sul sito Georgofili.it, che attraverso lettere e documenti ricostruisce la maternità di importanti innovazioni. Come il procedimento per estrarre zucchero dall’uva e il primo monito per la conservazione della biodiversità; la stazione ozonometrico-metereologica sul Campidoglio e l’Istituto agrario femminile e di economia domestica di Firenze. «Non abbiamo tentato una storia di genere. Abbiamo voluto rendere disponibile in maniera libera e gratuita materiali difficilmente reperibili. Questo ci ha permesso di far riemergere alcune accademiche di cui si era persa memoria, riscoprendone il valore scientifico», spiega Daniele Vergari, co-curatore assieme a Davide Fiorino della mostra.

La prima donna ammessa tra i Georgofili è la marchesa Teresa Invrea Paveri Fontana. A lei viene attribuito un testo pubblicato anonimo nel 1811: Memoria sulla estrazione dello zucchero dall’uva di una castalda del Dipartimento del Taro. «Per sopperire alla mancanza di zucchero, che non arrivava più dai Caraibi per il blocco napoleonico alla circolazione delle merci, gli scienziati di tutta Europa stavano all’epoca sperimentando l’estrazione dello zucchero da uva, castagne, barbabietola e altre coltivazioni. La marchesa, che si dilettava con la chimica in modo amatoriale, mise insieme vari esperimenti — spiega Vergari — e scrisse il suo metodo di estrazione». Quel volume le procurò nel 1812, un anno prima della morte, l’ammissione tra i Georgofili, di cui però non c’è cenno nei verbali delle sedute accademiche. E nemmeno nell’elenco dei nuovi soci del 1817. La stessa autrice, in una lettera di ringraziamento all’Accademia, si dichiara stupita per un riconoscimento inaspettato ad un’«umile cultrice di quei rami di scienze naturali, che più si confanno al mio genio, e più da vicino riguardano la domestica, e rurale economia».

Sorpresa di essere ammessa tra i soci dei Georgofili, mezzo secolo dopo, è anche la botanica Elisabetta Fiorini Mazzanti, che dette un importante contributo allo studio delle crittogame (felci, muschi, licheni, epatiche e sfagni), dimostrando originalità e lungimiranza. 

Sua  è la polemica con il governo impegnato a ripulire dalla vegetazione il Colosseo e altre vestigia romane è una delle prime azioni di difesa della biodiversità. «A differenza dei colleghi maschi non aveva la possibilità di andare in spedizione tra le montagne. Così, erborizzava nei terreni di famiglia oppure tra le rovine romane, che proprio in quei tempi furono liberate dalla flora sedimentata da secoli di incuria. Lei ebbe il coraggio di dire “Cosa state facendo?”. Prima donna a leggere una memoria in una riunione ufficiale dei Georgofili, di cui diventò socia corrispondenti nel 1852, fu eletta — aggiunge Vergari, agronomo e socio corrispondente dei Georgofili — anche dall’Accademia medico-scientifica fiorentina. Nel 1856 diventò la prima socia ordinaria dell’Accademia Pontificia dei Nuovi Lincei. Nel 1874 partecipò all’Esposizione internazionale dell’Orticultura a Firenze, per la quale fu inaugurato il mercato di San Lorenzo.

Caterina Scarpellini, di otto anni più giovane di Elisabetta Fiorini, non fu invece ammessa ai Nuovi Lincei, sebbene suo zio Feliciano, direttore dell’Osservatorio astronomico della Sapienza, avesse contribuito alla rinascita dell’Accademica Pontificia. E nonostante le sue osservazioni dell’atmosfera attraverso cui, ad esempio, colse con acume la correlazione tra la mancanza di ozono e la diffusione di epidemie. Scoperte a cui arrivò grazie a una presenza costante, sebbene non ufficiale, all’Osservatorio astronomico, dove si era ritagliata un posto all’ombra dello zio prima e poi del marito, Erasmo Fabri, custode della strumentazione che lei ereditò alla morte di Feliciano.

All’ombra del marito (Vincenzo Valvassori, direttore della Scuola di pomologia e orticoltura) svolse la sua attività anche Carolina Franceschinis Valvassori, legata alla fondazione (nel 1907) e alla direzione (per 20 anni) dell’Istituto agrario femminile e di economia domestica di Firenze. Oltre che alla stesura dell’Enciclopedia domestica. All’Accademia dei Georgofili, che nel 1911 la inserì tra i soci corrispondenti, rispose: «La nomina mi è di incoraggiamento a proseguire nella modesta via tracciata per l’insegnamento agrario a vantaggio della donna, e per la sua pratica educazione famigliare».

Ancora tanta strada c’era da fare per l’emancipazione femminile.

 

 

Accademia dei Georgofili. Sala delle Adunanze

 

 

 

Fino al 20 marzo alla Fondazione Ragghianti , Via S. Micheletto 3, Lucca, la mostra sull’amicizia tra lo scrittore e il critico toscano. Dalla militanza nella Resistenza al cinema, dalla pittura a «Cristo si è fermato a Eboli»

Simone Dinelli  Corriere Fiorentino 19 dicembre 2021

L’amicizia pluridecennale fra il critico e storico dell’arte lucchese Carlo Ludovico Ragghianti e il pittore, scrittore e politico Carlo Levi, raccontata attraverso opere, lettere, documenti, fotografie e filmati. Sono questi il senso e il contenuto della mostra che fino al prossimo 20 marzo sarà visitabile all’interno del complesso di San Micheletto, nel centro storico di Lucca: Levi e Ragghianti, un’amicizia tra pittura, politica e letteratura.

Carlo Levi  Ritratto di Ragghianti 1944

Un rapporto, quello fra i due, fondamentale per entrambi e che si intensificò a Firenze durante l’occupazione nazista, attraverso la comune militanza politica nella Resistenza, soprattutto dopo che Levi nel 1941 trova rifugio clandestino nella casa di Anna Maria Ichino in piazza Pitti, dove scrive il romanzo Cristo si è fermato a Eboli, cui è dedicata una sezione della mostra. Non è però soltanto la politica, nelle file del Partito d’Azione, a unirli, ma anche una condivisa sensibilità per il patrimonio artistico del Paese. L’interesse di Ragghianti nei riguardi di Levi pittore è da far risalire al 1936, quando lo inserisce nel suo articolo dedicato alla pittura italiana contemporanea; e nel 1939 recensisce sulla rivista La Critica d’Arte la mostra a New York.

La mostra e il catalogo offrono una testimonianza del significato dell’amicizia fra Ragghianti e Levi, anche alla luce della loro formazione culturale. Un aspetto interessante e nuovo presentato è quello del comune interesse dei due per il cinema:

Levi lavora come sceneggiatore e scenografo per alcuni film, disegna il manifesto di Accattone di Pier Paolo Pasolini, e dagli anni Cinquanta in poi, a Roma, diventa un ritrattista ambito da molti personaggi del mondo del cinema, da Silvana Mangano ad Anna Magnani, da Franco Citti allo stesso Pasolini

Pier Paolo Pasolini

Tutti questi ritratti sono presenti in mostra, insieme con quelli di Ragghianti e di loro comuni amici, come Eugenio Montale e Carlo Emilio Gadda. Oltre ai documenti, la mostra presenta un nucleo di quasi cento opere di Carlo Levi mirato a ricostruire anche la cerchia di intellettuali e amici cui i due appartenevano — Eugenio Montale, Giovanni Colacicchi, Paola Olivetti, Aldo Garosci e altri — con l’aggiunta dei ritratti di personaggi dei quali entrambi avevano stima, come Italo Calvino e Frank Lloyd Wright. «Le opere in mostra — sottolinea  il curatore Bolpagni — sono quelle che Ragghianti selezionò ed espose durante la sua vita. La mostra, oltre a ricostruire gli eventi e le circostanze della loro amicizia e i punti di interesse comune, mette in luce la loro formazione culturale comune. Tutte opere che siamo riusciti a portare qui grazie alla collaborazione con la Fondazione Carlo Levi di Roma, al contributo del Gabinetto Vieusseux di Firenze e ad alcuni collezionisti privati».

 

Per info e orari: www.fondazioneragghianti.it.

 

Villa Bardini  Costa S. Giorgio, 2-4, Firenze

7 dicembre 2021/25 aprile 2022

Duecento pezzi fra dipinti, disegni, illustrazioni e ceramiche del pittore, illustratore e ceramista fiorentino, che è stato il maggiore esponente italiano e uno dei maggiori interpreti europei del modernismo Liberty e del simbolismo

Focalizzata sugli anni giovanili di Galileo Chini (Firenze 1873-1956), che lo resero famoso internazionalmente, l’esposizione è a cura di Fabio Benzi ed è promossa da Fondazione CR Firenze e da Fondazione Parchi Monumentali Bardini e Peyron. Sono esposti dipinti, disegni, illustrazioni e ceramiche, in un susseguirsi continuo di legami e parallelismi fra l’artista e l’arte internazionale che lo ispirò e che spesso a lui si è ispirata.

Sono presenti opere dell’ambiente artistico tra simbolismo francese e mitteleuropeo, tra preraffaellismo e secessioni, che vede intrecciare il percorso di Chini con quello di artisti come Auguste Rodin, Gustav Klimt, Max Klinger, Ferdinand Hodler, William de Morgan, Walter Crane, Aubrey Beardsley, Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Odilon Redon, Ferdinand Khnopff, Félix Vallotton, Pierre Bonnard e molti altri

Villa Bardini e Mostre

Orari

Dal martedì alla domenica (chiuso il lunedì)
dalle ore 10 alle ore 18 – ultimo ingresso ore 17

Visite guidate alla mostra ogni sabato e domenica ore 15.30 e 16.30,

con prenotazione obbligatoria su www.eventbrite.it fino a max 20 persone per turno

Biglietti

Intero
€ 10,00

Ridotto
€ 5,00 per giovani da 18 a 24 anni, gruppi superiori a 10 pax, Touring Club Italiano, FAI, Soci Coop, dipendenti Toscana Aeroporti.

Gratuito
ragazzi fino a 17 anni, diversamente abili e loro accompagnatori, giornalisti, guide turistiche, possessori della Firenze Card.

Il biglietto è valido anche per la visita al Museo Annigoni.

 

.

Palazzo Reale Milano

19 ottobre 2021/ 27 febbraio 2022

 

Promosso e prodotto dal Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE si tratta un progetto espositivo che punta – secondo una precisa ricostruzione filologica e storiografica del fenomeno del Realismo Magico – a far scoprire al visitatore più di ottanta capolavori di questa complessa e affascinante corrente artistica, con un allestimento curato dallo Studio Bellini. 

Uno sguardo nuovo sul Movimento, una nuova chiave di lettura che, a trent’anni di distanza dall’ultima mostra milanese sul tema curata da Maurizio Fagiolo dell’Arco nel 1986, Palazzo Reale torna a offrire al pubblico un’occasione unica per fare il punto su un periodo storico-artistico – quello tra le due guerre – che ha subito per molto tempo una damnatio memoriae, ma che negli ultimi anni è stato prima oggetto di una riscoperta graduale attraverso affondi monografici su singoli artisti che sono riusciti a mantenerne vivo l’interesse e ora oggetto di un vero e proprio trend di valorizzazione che culmina, dopo trent’anni di studi ininterrotti, in questa mostra corale sul Realismo Magico.

Il percorso cronologico-filologico ruota intorno a capolavori italiani di questa specifica temperie, a loro volta messi in relazione con alcune opere della Neue Sachlickheit, la cosiddetta “Nuova oggettività” tedesca. I confronti saranno anche con i caratteri del Novecento Italiano di Margherita Sarfatti, dai quali il Realismo Magico si distingue, ma con il quale condivide alcune personalità artistiche come Achille Funi, Mario Sironi, Ubaldo Oppi.

La definizione Realismo Magico riguarda un momento dell’arte italiana circoscritto, nella fase più creativa ed originale, in circa quindici anni, tra il 1920 e il 1935, rappresentando in sostanza il clima del ritorno al mestiere della pittura e una specifica declinazione di una temperie “neoclassica”, che ha tangenze con il gusto déco nella sua specificità italiana, ma anche di un ricercato “arcaismo quattrocentesco” e di ambigue atmosfere metafisico/realistiche. Allo stesso tempo a questo segmento dell’arte italiana si legano termini specifici quali realismo, magia, metafisica, spettrale, obiettivo, vero, naturale, surreale.

In mostra vengono esposte le opere originalissime di Felice Casorati, come il Ritratto di Silvana Cenni del 1922, così come le prime invenzioni metafisiche di Giorgio de Chirico come L’autoritratto e L’ottobrata del 1924, ma anche le proposte di Carlo Carrà, con Le figlie di Loth del 1919, e Gino Severini con i suoi Giocatori di carte; tutti propongono un originale e tutto italiano “ritorno all’ordine”. Su quest’ultimo concetto di ‘ritorno’, si innesta un generale recupero dei valori plastici dell’arte del passato, da Giotto a Masaccio a Piero della Francesca, fino alla formazione dello specifico formulario realistico e magico che il visitatore trova nei dipinti di Antonio Donghi, Ubaldo Oppi, Achille Funi, Mario e Edita Broglio, pittrice raffinata e di cui si presenta un congruo numero di opere, e soprattutto di Cagnaccio di San Pietro, con il capolavoro Dopo l’orgia.

Un formulario riconoscibile anche in alcune opere di Mario Sironi – in mostra la sua Allieva viene per la prima volta affiancata e messa a confronto con L’architetto – Gli Amanti di Arturo Martini e in Achille Funi nella sua fase realistico-magica come la straordinaria Maternità. Il manipolo dei “realisti magici” si incrocia con i destini di “Novecento”, il gruppo milanese creato da Margherita Sarfatti, ma soprattutto con esperienze tedesche e austriache.

La realtà artistica italiana, ben connotata e ricca di suggestioni e spunti, infatti, non risulta isolata, trovando significativi contrappunti e analogie, pur nella diversità degli obiettivi e delle matrici culturali di partenza, con la Neue Sachlickheit (Nuova Oggettività) tedesca, a sua volta divisa tra aree più classiche e vicine alla sensibilità italiana (i pittori di Monaco, come Heinrich Maria Davringhausen e Christian Schad) e aree più radicali e rivoluzionarie (gli artisti berlinesi), ma anche con i realismi che emergono in Olanda così come in Unione Sovietica, negli Stati Uniti come in Francia, in una generale riconquista dell’arte come mimesis della realtà, ma inevitabilmente attraversata dalle inquietudini esistenziali e ideali del Novecento.

Alla struttura cronologico-filologica – blocco portante del percorso – si innesta in alcuni punti una lettura tematica: dal ritratto alla maternità ai bambini, dai nudi femminili e l’eros al paesaggio, alla natura morta, all’allegoria. Un’interessante chiave di lettura proposta al pubblico che permette al visitatore di cogliere le novità interpretative che il Realismo Magico mise in campo rispetto ad alcuni generi della tradizione pittorica.

 Catalogo di 24 ORE Cultura

a cura di Gabriella Belli e Valerio Terraroli

 

Orario

Da martedì a domenica ore 10:00-19:30, giovedì chiusura alle 22:30. Ultimo ingresso un’ora prima.

Lunedì chiuso.

Orari festivi 1° nov 10- 9:30; 7,8,26 dic 10-19.30; 24 e 31 dic 10-14:30 25 dic 14:30-18:30; 1° gen 14:30-19:30; 6 gen 10-22.30

Biglietti

Intero € 14

Ridotto € 12

Abbonamenti. Musei Lombardia € 10

Ridotto speciale € 6

Biglietto Famiglia: 1 o 2 adulti € 10 / ragazzi dai 6 ai 14 anni € 6

Audioguida inclusa. 

Realismo Magico | Palazzo Reale Milano

Palazzo Reale Milano

 

Trasteverina uccisa da una bomba Gerolamo Induno

1849-1871. Ebrei di Roma tra segregazione ed emancipazione »

 

Museo ebraico di Roma- Sinagoga Via Catalana Roma

10 novembre 2021/ 22 maggio 2022

Info: www.museoebraico@roma.it

Edoardo Sassi Corriere della Sera (Roma)10 novembre 2021 

Un’esposizione che ripercorre la storia e il ruolo — non marginale — che gli ebrei ebbero nel processo unitario nazionale, con particolare riferimento a Roma, la città dove, presenti da più di venti secoli, erano stati rinchiusi in un ghetto a partire dalla bolla papale di Paolo IV del 1555.

In un suggestivo dialogo tra dipinti, sculture e testimonianze documentarie, la mostra — curata da Francesco Leone e Giorgia Calò nelle sale del Museo Ebraico — racconta proprio il coinvolgimento dei cittadini della comunità nel Risorgimento e nelle alterne vicende che portarono alla proclamazione (1871) della Città Eterna capitale d’Italia, partendo — cronologicamente — dall’esperienza dell’eroica Repubblica Romana del 1849, quando per la prima volta, sia pure per un brevissimo periodo e dopo l’altrettanto limitata esperienza napoleonica, la situazione per i cittadini ebrei sembrò migliorare. Solo l’anno prima Massimo d’Azeglio — uno dei tanti protagonisti di questa esposizione in cui ogni esemplare esposto è accompagnato da una didascalia ragionata che ne spiega la funzione — aveva pubblicato il volume Sull’emancipazione civile degli Israeliti, denunciando anche le condizioni degli ebrei nel ghetto.

L’esposizione rappresenta anche un’antologia di grandi nomi della pittura e della scultura dell’Ottocento, con opere, tra gli altri, di Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Ippolito Caffi, Gerolamo Induno, Tranquillo Cremona, Ettore Ximenes, Vincenzo Gemito, oltre che di artisti ebrei le cui figure cominciano a delinearsi proprio in questo periodo di embrionale emancipazione, come Vito D’Ancona e Serafino De Tivoli, pittori-soldato impegnati al fianco di Garibaldi. E a chiudere il percorso, un ritratto del potente editore triestino Emilio Treves, dipinto da Vittorio Corcos.

1907 Emilio Treves Vittorio Corcos

 

 

 

 

 

GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino

14 Ottobre 2021 / 20 Marzo 2022

Giovanni Fattori Accademia di Belle Arti Firenze

La GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino ospita per la prima volta nei suoi spazi una grande retrospettiva dedicata all’opera di Giovanni Fattori (Livorno 1825- Firenze 1908), uno dei maestri assoluti dell’Ottocento italiano che seppe interpretare in modo originale e innovativo tanto i temi delle grandi battaglie risorgimentali quanto i soggetti legati alla vita dei campi e al paesaggio rurale a cui seppe infondere, analogamente ai ritratti, nuova dignità e solennità.

Il percorso espositivo, che presenta oltre 60 capolavori dell’artista livornese, tra cui tele di grande formato, preziose tavolette e una selezione di acqueforti, si articola in nove sezioni e copre un ampio arco cronologico che dal 1854 giunge al 1894, dalla sperimentazione macchiaiola e da opere capitali degli anni Sessanta e Settanta fino alle tele dell’età matura, che ne rivelano lo sguardo acuto e innovatore, capace di aperture sull’imminente ’900.

Le curatrici del progetto, Virginia Bertone (Conservatore Capo della GAM) e Silvestra Bietoletti (Storica dell’arte, specialista di pittura toscana dell’Ottocento), affiancate dal Comitato scientifico composto da Cristina Acidini, Giuliano Matteucci e Fernando Mazzocca, hanno concepito un articolato progetto espositivo dove si succedono, secondo una scansione cronologica e tematica, le opere del maestro la cui vicenda artistica seppe incontrare, già nel corso dell’Ottocento, anche il gusto dei torinesi, come testimonia la presenza di Fattori alle mostre allestite in città – sia alle manifestazioni annuali della Società Promotrice di Belle Arti di Torino sia alle Esposizioni Nazionali – dalla primavera del 1863 e fino al 1902. A concludere il percorso sono alcune opere emblematiche di allievi di Fattori e di artisti influenzati dalla suggestione della sua pittura – Plinio Nomellini, Oscar Ghiglia, Amedeo Modigliani, Lorenzo Viani, Carlo Carrà, Giorgio Morandi – a testimonianza della lezione che il maestro livornese seppe stimolare nella pittura italiana del Novecento. Ad arricchire la mostra è un suggestivo video che racconta i luoghi, le vicende umane e le relazioni artistiche che hanno accompagnato la vita del maestro attraverso le parole dello stesso Fattori, desunte da lettere e documenti d’epoca. Un viaggio nel viaggio, che vuole avvicinare il visitatore all’artista livornese la cui indole fu schiva eppure così carismatica da influenzare future generazioni di artisti.

FATTORI E TORINO

Nella primavera del 1863 Giovanni Fattori inviava alla mostra della Società Promotrice di Belle Arti di Torino la sua Ambulanza militare (Episodio dell’indipendenza italiana del 1859). Per presentarsi per la prima volta al pubblico torinese, l’artista aveva voluto riproporre il soggetto de Il campo italiano dopo la battaglia di Magenta che gli aveva assicurato la vittoria al Concorso Ricasoli, tappa fondamentale per l’avvio della sua carriera artistica.

La presenza di Fattori alle mostre allestite nella capitale subalpina – sia alle manifestazioni annuali della Promotrice sia alle Esposizioni Nazionali – si sarebbe ripetuta con cadenza regolare fino al 1902. Tra i suoi primi estimatori è il torinese Marco Calderini, brillante allievo di Antonio Fontanesi e autorevole animatore della scena culturale cittadina, che entra in contatto con lui per l’acquisto di una cartella di litografie, a testimonianza di un vivo apprezzamento anche per la sua opera grafica. Nel corso dei primi anni del Novecento, l’attenzione per l’opera di Fattori si intensifica sino a divenire il modello di un nuovo “ideale classico”: furono allora autorevoli collezionisti, come l’imprenditore Riccardo Gualino, ad arricchire le proprie raccolte con capolavori come il Ritratto della seconda moglie, conservato alla Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti a Firenze e presente in mostra.

Nel 1930, anno in cui aveva assunto la direzione del Museo Civico di Torino, Vittorio Viale riuscì ad assicurare alle collezioni torinesi la preziosa tavola Gotine rosse, dipinto appartenuto alle collezioni fiorentine di Giovanni Malesci e poi di Mario Galli e oggi custodito alla GAM. E proprio la vicenda dell’acquisto di Gotine rosse offrirà lo spunto per sottolineare la fortuna di Fattori e di altri artisti toscani dell’Ottocento a Torino nel segno di Lionello Venturi.

Eventi & Mostre / GAM

La mostra “Fattori. Capolavori e aperture sul ‘900”, che apre al pubblico dal 14 ottobre per proseguire fino al 20 marzo 2022, è organizzata e promossa da GAM Torino – Fondazione Torino Musei e da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE in collaborazione con l’Istituto Matteucci e il Museo Civico Giovanni Fattori di Livorno.

BIGLIETTI                                                     

Intero € 13,00 | Ridotto € 11,00

INFORMAZIONI E BIGLIETTERIA ONLINE

www.ticketone.it;  Call center e info line: 011/0881178

(dal lunedì al venerdì dalle 9.30 alle 18.00)

 

Palazzo Mediceo di Seravezza ( Lucca)

11 luglio/ 10 ottobre 2021

La mostra offre una ampia visione su alcuni aspetti della nostra cultura e della nostra socialità: i viaggi, gli intrattenimenti, le esposizioni, lo sport, il vivere quotidiano, le feste e gli incontri in città.

«L’esposizione», spiega la curatrice Nadia Marchioni «nasce dalla riflessione su quanto insostituibile sia il confronto diretto, la condivisione di luoghi, valori, esperienze culturali, di quale abisso si apra davanti ai nostri occhi, privati a lungo delle piccole o grandi felicità offerte da un viaggio, una visita al museo, uno spettacolo a teatro o al cinema, un incontro, una passeggiata in campagna, in riva al mare o nelle nostre amate città, le cui strade e piazze deserte di persone e di suoni non saranno dimenticate facilmente».

L’esposizione si articola in otto sezioni che evocano, attraverso dipinti, sculture, progetti e, soprattutto, manifesti delle più originali firme del Novecento, le più varie espressioni della vita sociale e culturale del secolo passato. Cinema, teatro, musei ed esposizioni, turismo, sport, viaggi, occasioni di incontro, sono i soggetti indagati dalla mostra, rimarcando l’importanza vitale che a questi temi veniva affidata dai maggiori artisti del Novecento, impegnati nella realizzazione di progetti per i luoghi destinati alla vita sociale e culturale, per la promozione di opere cinematografiche e teatrali, così come di eventi, prodotti e manifestazioni, anche attraverso il fantastico universo dei manifesti pubblicitari, visibile e storica affermazione, nel tessuto urbano novecentesco, di una nuova e moderna socialità.

Il percorso espositivo contempla una sala interamente dedicata al tema delle città, con un metafisico e misterioso scorcio cittadino di Luigi Gigiotti Zanini, memoria di paesaggi urbani che non vorremmo mai più vivere nella loro forzata e inquietante solitudine. In questa sezione troviamo anche opere di Galileo Chini e di grandi illustratori italiani come Marcello Dudovich. Due sale sono incentrate invece sul teatro, altro aspetto della nostra vita sociale che ci è molto mancato, con alcune opere grafiche e una maquette per le scenografie del teatro greco di Siracusa del grande artista romano Duilio Cambellotti ed affiches dedicate al teatro dell’opera, come quella realizzata per una rappresentazione della Tosca di Puccini da Leopoldo Metlicovitz, uno dei padri del moderno cartellonismo italiano. Poi i viaggi – con una sala in cui spiccano un importante e scenografico manifesto di Mario Sironi e i disegni dell’architetto Arrigo Cantoni, mai esposti prima d’ora, per la Nuova stazione di Milano (progetto cui prese parte con Cantoni anche Antonio Sant’Elia) – e i grandi eventi espositivi di inizio Novecento come l’Esposizione internazionale d’arte moderna decorativa di Torino del 1902 per la quale Leonardo Bistolfi realizzò un bellissimo manifesto liberty, presente in mostra, rimasto nella storia della cartellonistica italiana. Altre due sale sono dedicate rispettivamente agli incontri cittadini e allo sport: nella prima, molte vivaci réclame di iconici prodotti e grandi magazzini dell’epoca, a firma di noti maestri della grafica pubblicitaria quali Leonetto Cappiello e Adolfo Hohenstein; nella seconda, foto, opere grafiche e pittoriche realizzate per vari eventi sportivi. Fra gli artisti presenti in mostra figurano anche Thayaht e Ram, fratelli ed eclettici artisti fiorentini che ebbero fecondi rapporti con la Versilia.

 

 

 

TORINO, Reggia di Venaria

Fino al 1 novembre

Il paesaggio nelle opere degli artisti dalla fine del Settecento ad oggi

Antonio Fontanesi La quiete 1860

Oggi il dibattito sulla salvaguardia dell’ambiente, i mutamenti climatici, le emergenze provocate dall’inquinamento e dalle devastazioni inconsulte perpetrate dall’uomo sulla Terra è più che mai all’ordine del giorno a livello internazionale: è importante evidenziare come temi analoghi quali l’amore, la sensibilità per la Natura e l’interesse per il Paesaggio incontaminato siano stati fonte di ispirazione per numerosi artisti del passato, dai pittori preromantici di fine Settecento ai maestri contemporanei.

La mostra Una infinita bellezza. Il Paesaggio in Italia dalla pittura romantica all’arte contemporanea – ospitata nell’imponente Citroniera Juvarriana della Reggia di Venaria, un tempo ricovero delle piante di agrumi dei Giardini – intende appunto documentare tale attenzione e passione presentando oltre 200 opere tra dipinti, fotografie, video e installazioni.

La rassegna nasce grazie ad un accordo tra il Consorzio delle Residenze Reali Sabaude e la Fondazione Torino Musei, in base al quale circa 100 opere della GAM – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino diventano il nucleo centrale di questo evento espositivo dedicato al tema Green. Il percorso è rigorosamente storico-artistico, con un fil rouge cronologico-geografico che intreccia Spazio e Tempo, valorizzando il contesto piemontese – dove la mostra nasce – e tutto il Nord della nostra Penisola, senza trascurare le scuole regionali del Centro e Sud Italia. Le dodici sezioni della mostra presentano quindi, in un’eccezionale carrellata di opere, molte delle quali di grandi dimensioni, le diverse forme che ha assunto la rappresentazione del Paesaggio in Italia nell’arco di oltre due secoli di pittura.

Le opere esposte oltreché dalla GAM, provengono da importanti musei italiani e collezioni private tra le quali: il Museo Civico d’Arte Antica di Palazzo Madama, i Musei Reali di Torino, la Galleria d’Arte Moderna di Milano, la Galleria d’Arte Moderna di Genova, i Musei Civici di Brescia, la GNAM di Roma, la Fondazione Musei Civici di Venezia, il Museo di Capodimonte e le Gallerie degli Uffizi.

La mostra, posta sotto l’egida della Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per la Città Metropolitana di Torino, è curata da Virginia Bertone (Conservatore Capo della GAM), Guido Curto (Direttore della Reggia di Venaria e del Consorzio delle Residenze Reali Sabaude) e Riccardo Passoni (Direttore della GAM), affiancati da un comitato scientifico composto da Barbara Cinelli (Università Roma Tre), Piergiorgio Dragone (Università degli Studi di Torino), Flavio Fergonzi (Scuola Normale Superiore di Pisa) e Laura Iamurri (Università Roma Tre). 

La Venaria Reale è aperta dal martedì alla domenica

Reggia Piano Nobile e Mostre

Gli ingressi chiudono 1 ora prima rispetto agli orari sotto indicati.

• Lunedì: giorno di chiusura (tranne eventuali giorni Festivi)​
• Da martedì a venerdì: dalle ore 10 alle 18
• Sabato, domenica e festivi: dalle ore 10 alle 19

Un turno d’ingresso ogni mezz’ora:
45 persone per la visita della Reggia Piano Nobile; 20 persone per la mostra.

 

Biglietti

• Intero: 20 euro
• Ridotto: 16 euro
  Gruppi accompagnati di min. 6, max. 15 persone, quanti previsti da Ridotti
• Ridotto: 8 euro

Under 21 (ragazzi dai 6 ai 20 anni) e universitari under 26
(I minori di 16 anni devono entrare accompagnati)

• Scuole: 6 euro a studente
  Classi minimo di 6, massimo 15 studenti, ingresso gratuito per 1 accompagnatore ogni 15 studenti
• Gratuito
  Minori di 6 anni e quanti previsti da Gratuiti 

Consulta le Convenzioni per questo biglietto.

Il biglietto comprende la visita alla Reggia Piano Nobile, ai Giardini e le mostre in corso.

 

Dal Sito

http://www.lavenaria.it/it

 

Salvo La Primavera 1985

 

 

23 LUGLIO 2021 /27 MARZO
Museo del Novecento Milano

Celebrare la «dimessa grandiosità» del fascista Sironi (che il partigiano Rodari non volle «cancellare»)

Alessandro Trocino
Newletter del Corriere della Sera

Avesse davvero attecchito anche da noi la gramigna della cancel culture, questa mostra non si sarebbe potuta fare. Di Mario Sironi non ci sono statue personali da abbattere, ma volendo esercitarci con corde e martello, ci sono molti luoghi pubblici dove divellere e demolire: il bassorilievo del Palazzo dell’Informazione di piazza Cavour a Milano, il mosaico al palazzo di giustizia di Milano, il grande murale dell’Aula Magna della Sapienza di Roma e molti altri. Si potrebbe infierire, dare alle fiamme le sue opere e, tra gli applausi della folla, srotolare uno striscione: «Mario Sironi fascista, amico di Mussolini». 

Per fortuna non viviamo tempi così cupi e Milano celebra «la grandezza dell’arte e la tragedia della storia», per dirla con Elena Pontiggia, biografa di Sironi e curatrice insieme a Anna Maria Montaldo della splendida mostra «Mario Sironi, sintesi e grandiosità», al Museo del Novecento fino al 22 marzo 2022. Una mostra fondamentale perché, se è vero che possiamo permetterci ancora una certa complessità culturale, è anche vero che Sironi è stato emarginato e, di fatto, cancellato per decenni. Il suo lavoro è stata «una lezione di tragedia», disse Gianni Rodari, che lo salvò. 

È il 25 aprile del 1945 quando Sironi esce dalla sua casa di via Domenichino, a Milano, e con il suo cane, tra gli spari, prende la via per Como. Viene fermato da un commando di partigiani. Tra loro c’è Rodari che lo descriverà come «un signore ambiguo, tutto grigio, con quel cane e un sorriso disperato». Il commando ha già passato per le armi John Emery, figlio di un ministro inglese e addetto alla propaganda nazista. Ma Rodari legge la carta d’identità: «Sironi Mario? Il pittore delle periferie? “Non so se posso vantarmene”. Gli firmai il lasciapassare, in nome dell’arte. Non dissi al comandante della brigata quelle tali cosette. Se ne andò con il suo cane, non importa dove. Aveva perduto qualcuno, non mi interessava chi. Per me la sua pittura era stata una lezione di tragedia. Non c’è pittore che valga i suoi quadri».

La sua salvezza fisica, «in nome dell’arte», fu però l’inizio di un lungo oblìo. Lui continua a dipingere, sempre in disparte e la sua arte ha un cambiamento radicale, come spiega Pontiggia: «Nella sua stagione novecentista aveva rappresentato un’immagine dell’uomo grave ma potente; una famiglia di architetti, costruttori, lavoratori dediti a un compito faticoso, ma solenne; una geografia di città dolorose, ma imponenti, animate da una dimessa grandiosità. Invece, dalla metà degli anni Quaranta dipinge uomini murati dalla pietra, sipari di rocce impenetrabili, sagome immobilizzate. Al volitivo “tu devi”, l’imperativo categorico cui obbedivano le figure precedenti, si sostituisce un amaro “tu non puoi”». 

Sironi scompare, viene messo ai margini del mondo dell’arte per «quelle tali cosette» di cui parlava Rodari. Lionello Venturi descrive il Novecento — il movimento artistico propiziato da Margherita Sarfatti — come arte e retorica di Stato: «Ogni dittatura ha bisogno di un’arte neoclassica per generare la falsa retorica necessaria a ogni tirannia. Insomma, scrive Pontiggia, «l’ideale classico viene frainteso e combattuto e l’impropria equazione tra classicismo, mito della romanità e fascismo fa sì che la condanna della dittatura coinvolga molto di più Sironi e il movimento sarfattiano che altri artisti, fascisti ma non classicisti, come Terragni e Rosai». 

Il conformismo del mondo dell’arte massacra Sironi. Cesare Brandi parla di arte manipolatoria, «che non merita neanche di essere presa a bersaglio». Giulio Carlo Argan accenna al Novecento come a «un movimento estraneo all’arte europea». Roberto Longhi scrive nel 1951: «Sironi: non credo al peso storico di questa figura, soprattutto al suo ultimo periodo» Lontano dal potere ufficiale, c’è qualche isolato sostegno critico, da Vanni Scheiwiller a Giò Ponti, fino a Curzio Malaparte, che dice di lui: «In un mondo di canaglie e di imbecilli, è cosa rara incontrare un Mario Sironi». A difenderlo ci prova Dino Campini: «Chi parla di arte di regime per lui non ha capito nulla». E questo è il nodo più difficile da sciogliere. Sironi aderisce al fascismo, sull’onda lunga dello sdegno per la d’annunziana «vittoria mutilata». Poi diventa disegnatore ufficiale del Popolo d’Italia, «dà forma d’arte all’azione e alla dottrina fascista». Il suo classicismo nel rappresentare il fascismo, diventa espressionismo grottesco e caricaturale per disegnare i nemici. Non disegna quasi mai fasci littori né il volto di Mussolini e il suo fascismo non è mai piaggeria, non è mai il longanesiano «Mussolini ha sempre ragione». Ma è fascismo, senza pentimenti, senza abiure. 

È arte di regime quella di Sironi? E cos’è arte di regime? Mussolini scrisse: «È lungi da me incoraggiare qualche cosa che possa assomigliare all’arte di Stato. L’arte rientra nella sfera dell’individuo. Lo Stato ha un solo dovere: quello di non sabotarla, di dar condizioni umane agli artisti, di incoraggiarli dal punto di vista artistico e nazionale». Parole illuminate se non fosse che sono lontane anni luce dalla pratica di un regime totalitario che usava il pugno duro anche e soprattutto con gli intellettuali e gli artisti non allineati. Ma è vero che, scrive Pontiggia, Novecento non si tradurrà mai in un’arte di Stato. Per Sironi, che non otterrà mai incarichi speciali, onorificenze e certo non si arricchirà, l’arte è una sorta di «dovere morale, nato dal sogno idealista di promuovere l’arte della nuova Italia. La sua vicinanza a Mussolini è soprattutto data dalla convinzione che il regime saprà riaffermare il valore dell’arte italiana». 

La sua adesione al fascismo sarà sempre in nome dell’arte, senza mai aderire alle campagne antisemite, e con molti nemici anche all’interno del regime, a cominciare da Roberto Farinacci, che lo metterà in ridicolo su «Regime fascista». Ugo Ojetti scrisse che Mussolini non amava le “manone” e i “piedoni” sironiani e avrebbe detto: «Sironi è un imbecille». Mussolini in realtà apprezzava Sironi ed è probabile che il giudizio tranchant fosse dello stesso Ojetti. Ci vorrebbe, scrive Pontiggia, «un grande scrittore o un maestro di psicologia per descrivere la personalità di Sironi». Aderì alla Rivoluzione fascista, ma «una sorta di radicale disincanto lo trattenne dal credere alle magnifiche e progressive sorti dell’uomo e del mondo, nonostante la fede (mai rinnegata) in Mussolini. La sua narrazione è troppo drammatica per servire alla propaganda. E la sua adesione al fascismo non si è mai tradotta in quella insopportabile piaggeria professata da tanti durante il Ventennio, non esclusi vari antifascisti dell’ultima ora». Come dimostrano queste parole scritte da Mussolini in una lettera: «Venne da me, un giorno, Mario Sironi. E mi disse, egli uomo castigatissimo, alieno da qualsiasi espressione grossolana, che la scultura e la pittura, volute dai politici in posa, stavano riempiendo di merda l’Italia, di fantocci le piazze, di maschere le strade consolari. Parlò fuori dai denti». 

Ridare a Sironi quello che è dell’arte, non vuol dire riabilitarne le convinzioni politiche. Come ammette Pontiggia: «Si può accusare Sironi di aver dipinto una patria eroica e un uomo nuovo (utopia ricorrente di tutto il Novecento) che non esistevano e non sono mai esistiti, come la storia avrebbe tragicamente dimostrato pochi anni dopo. Non è una piccola parte di tragedia, nella più generale tragedia dell’Italia, che uno dei maggiori artisti del secolo abbia legato il suo genio a una tale illusione». Ma nello stesso tempo sarebbe ingiusto, e lo è stato per molti anni, «appiattire, come ha fatto tanta critica, la sua figura e la sua opera esclusivamente sul legame con il fascismo». Come scrive Claudio Strinati su Repubblica: «I tempi sono maturi per un vero e appassionato riesame di Sironi».

Gli ultimi anni di vita furono duri per Sironi. Subisce due violenti pestaggi. La figlia diciottenne si suicida. Dipinge cimiteri, cripte, apocalissi. Un suo quadro del 1958 si chiama Debout les morts (in piedi i morti), ma nessuno si rialza.

«La pittura lo bruciava, lo inceneriva, lo massacrava e lo faceva vivere», scrive Raffaele Carrieri. E la sua vita da anacoreta somiglia a un autoesilio, una punizione che si infligge per la sua vita tragica. A un amico scrive: «Di me non so dire nulla. C’è un mucchietto di rifiuti qui davanti, nell’orto, e mi sembra la mia vita, il mio cuore, le mie speranze». Muore il 13 agosto 1961, ricoverato alla clinica Madonnina: «Il breve corteo funebre attraversa una Milano deserta, metafisica, che sembra uscita da un suo quadro».

MARIO SIRONI. Sintesi e grandiosità

23 LUGLIO 2021 /27 MARZO
Museo del Novecento Milano

Prenotazione FACOLTATIVA
Orario di apertura:
LUN Chiuso
MAR 10:00 – 19:30
MER 10:00 – 19:30
GIO 10:00 – 22:30
VEN 10:00 – 19:30
SAB 10:00 – 19:30
DOM 10:00 – 19:30

BIGLIETTO INTERO € 10,00
BIGLIETTO RIDOTTO € 8,00

Tel +39 02 88444061
Mail c.museo900@comune.milano.it
Website https://www.museodelnovecento.org/

L’Italia tra le Arti e la Scienza

1935 Aula Magna  La Sapienza Università di Roma

 

Sculture, dipinti ed oggetti d’arte, per celebrare Napoleone Bonaparte nel bicentenario dalla sua morte.

 

Con la mostra Nel segno di Napoleone: gli Uffizi diffusi all’isola d’Elba che apre oggi a Portoferraio (Pinacoteca Foresiana, 9 luglio 2021 – 10 ottobre 2021) le Gallerie degli Uffizi inaugurano concretamente il grande piano di diffusione sul territorio toscano presentato nelle scorse settimane. Non solo: l’esposizione offre anche l’occasione di riaprire al pubblico, dopo la chiusura dello scorso anno a causa della pandemia, lo spazio culturale della Pinacoteca Foresiana, all’interno della prestigiosa caserma storica De Laugier di Portoferraio.

Nel segno di Napoleone avrà il duplice obiettivo di evidenziare il legame indissolubile tra l’imperatore dei francesi e l’isola d’Elba, sede del suo esilio dal maggio 1814 al febbraio 1815 e di valorizzare attraverso i tesori degli Uffizi e della Pinacoteca stessa uno snodo fondamentale della storia dell’isola. L’influenza della personalità del Bonaparte nel contesto toscano va infatti ben oltre la parentesi del suo effettivo dominio politico sul territorio, per incidere profondamente nello sviluppo e nel rinnovamento di ogni settore delle arti in Toscana, lasciando un’impronta duratura anche nelle epoche successive.

Sono state dunque selezionata opere delle Gallerie degli Uffizi – dipinti, sculture ed oggetti di arti applicate – che ci restituiscono un’avvincente narrazione della vicenda napoleonica in Toscana. Lo stile impero, connotato da un’eleganza ispirata all’antichità romana ma aperta allo stesso tempo alla modernità, diventa così una maniera efficace per promuovere il mito eroico della figura di Napoleone, della consorte Maria Luisa d’Asburgo ed anche degli altri membri della famiglia Bonaparte, attraverso la riproduzione dei ritratti, scolpiti o dipinti, in grado di divulgare l’iconografia del sovrano e dei suoi famigliari in tutti i territori soggetti al governo francese.

 

La mostra sarà introdotta dal Ritratto di Napoleone imperatore di Carlo Morelli per l’occasione collocato in Pinacoteca dalla Sala Consiliare, mentre in un ambiente adiacente saranno esposte anche opere d’arte provenienti dalle Gallerie degli Uffizi, e altre dai depositi della Pinacoteca Foresiana. Si tratta di una serie di disegni e pitture, frutto della donazione avvenuta nel 1914 da parte di Mario Foresi, importante figura di intellettuale, che raccolse l’eredità del padre Raffaello e soprattutto dello zio Alessandro Foresi. Quest’ultimo, vissuto tra l’epoca della Restaurazione e dell’Unità d’Italia, fu infatti medico e amico personale di Giuseppe Bezzuoli del quale scrisse una biografia e di cui possedeva importanti dipinti. Del maestro toscano è esposto un intenso ritratto di Elisa Baciocchi con la figlia, proveniente dalle Gallerie degli Uffizi (circa 1814): un perfetto anello di congiunzione tra la fine dell’epopea francese ed il ritorno dei restaurati sovrani lorenesi. Non si era ancora spenta, in quegli anni, la nostalgia per lo splendore della corte di Elisa e per le speranze che molti avevano riposto nell’avventura bonapartista, come ben documenta la raffinata collezione di cimeli napoleonici messa insieme da Mario Foresi. Ad introdurre simbolicamente la mostra sono i ritratti marmorei dell’imperatore, quello della consorte e nuova imperatrice, Maria Luisa d’Asburgo Lorena e del fratello minore Girolamo Bonaparte, nominato re di Westfalia a soli ventitré anni, tutti ripresi dai modelli ufficiali commissionati da Napoleone allo scultore francese François-Joseph Bosio intorno al 1810. Questi busti, idealizzati come nella ritrattistica imperiale romana, furono riprodotti in versioni diverse per dimensioni, qualità e materiali dalle manifatture di Carrara per promuovere la diffusione delle effigi eroiche della famiglia Bonaparte.

Campeggia su una grande tela, capolavoro di Jean Baptiste Wicar, il ritratto di Luigi Bonaparte, fratello del sovrano, in divisa bianca e vermiglia dei dragoni d’Olanda, territorio sul quale aveva regnato prima dell’annessione alla Francia. Luigi era il padre di Napoleone III, l’unico della famiglia Bonaparte a seguire le orme dello zio, autoproclamandosi imperatore dei francesi nel 1852. La raffinata serie di ritratti reali continua con quello di Napoleone I, dipinta su porcellana dalla Manifattura di Sèvres nel 1810 dal decoratore Jean Georget, allievo di Jacques-Louis David, con tecnica virtuosistica da miniatore. La lastra, di notevoli dimensioni, raffigura l’imperatore abbigliato con la veste sontuosa dell’incoronazione, secondo l’iconografia ufficiale del celebre quadro di François Gerard, replicato su tela anche da Carlo Morelli, nel grande dipinto proveniente dalla Sala Consiliare del Comune di Portoferraio.

Il dominio napoleonico in Toscana è quindi rappresentato inoltre dalla figura di Elisa Baciocchi, sorella minore del Bonaparte e da lui insignita del titolo di Granduchessa nel 1809: la sovrana è magnificamente ritratta nel 1814 da Giuseppe Bezzuoli, assieme alla figlia Elisa Napoleona, sullo sfondo di una Firenze crepuscolare, quasi un presagio dell’imminente fine del suo breve governo in Toscana.

Curatela scientifica della mostra: Alessandra Griffo ed Elena Marconi

Nel segno di Napoleone

9 luglio 2021 – 10 ottobre 2021

Pinacoteca Foresiana

Portoferraio, Isola d’Elba (Livorno)

Gallerie degli Uffizi

https://www.uffizi.it

 

Pinacoteca Foresiana Portoferraio, Isola d’Elba (Livorno)