Mostre

PALAZZO ANTINORI, Piazza degli Antinori 3,  Firenze 3

19 Settembre 2019 / 10 Novembre 2019

  

LA MOSTRA  A PALAZZO ANTINORI CONSENTE DI ACCEDERE PER LA PRIMA VOLTA AI SALONI STORICI DI UNA DELLE PIÙ RAFFINATE DIMORE DEL CENTRO STORICO FIORENTINO. RIASSAPORANDO LE ATMOSFERE DELL’OTTOCENTO, EVOCATE IN 60 DIPINTI.

Firenze come era, in otto sezioni e sessanta dipinti

Aperta per meno di un bimestre, La Firenze di Giovanni e Telemaco Signorini regala al visitatore il beneficio di un contatto diretto, persino intimo, con le sessanta opere selezionate dal duo curatoriale, provenienti dalla Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti e da collezioni private. Complice anche il frazionamento dello spazio del Palazzo, evidentemente concepito con altre finalità, la vicinanza fisica con le opere favorisce una condizione di “immersione” in una dimensione temporale perduta, genuina e, per certi versi, desiderabile. La luce conquista lo sguardo, divenendo malinconica e nostalgica nelle vedute, nei panorami e negli scorci urbani di Giovanni e Telemaco Signorini. Padre e figlio sono infatti fianco a fianco nella loro città, insieme ad altri artisti coevi. Oltre alle ovvie analisi di carattere storico-critico, la mostra introduce un livello di lettura di natura architettonica-urbanistica.

Firenze, da città a Capitale

Tra carrozze collettive trainate da cavalli, lungarni, botteghe, mercati, piazze ed echi Belle Époque, Firenze viene raccontata nei suoi luoghi iconici, gli stessi che oggi sono sottoposti a flussi turistici senza sosta, e nei suoi più struggenti scorci. Soprattutto, però, è immortalata dinanzi agli grandi “stravolgimenti” dell’Ottocento, nella fase che va dalla transizione della dinastia dei Lorena al Governo Provvisorio Toscano, fino dell’annessione al Piemonte sabaudo e, quindi, al nascente Regno d’Italia. Proiettata verso il (temporaneo) status di Capitale, si orientò verso l’“elegante classicismo architettonico” legato alla figura di Giuseppe Poggi. Un “ammodernamento forzato” sgradito, tra gli altri, anche a Telemaco Signorini, che fu così artefice della documentazione, scrupolosa quanto sentimentale, degli ultimi sussulti di un mondo destinato in scomparire.

Valentina Silvestrini   Artribune 18 settembre 2019

 LA FIRENZE DI GIOVANNI E TELEMACO SIGNORINI

Dal 19 Settembre 2019 al 10 Novembre 2019

FIRENZE

LUOGO: Palazzo Antinori

INDIRIZZO: piazza Antinori

ORARI: dal Martedì alla Domenica 10-18

CURATORI: Elisabetta Matteucci, Silvio Balloni

COSTO DEL BIGLIETTO: Euro 13 intero, Euro 10 ridotto

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 055 29375

 

 

Museo Novecento

Piazza di Santa Maria Novella 10 Firenze

12 luglio 2019 – 17 ottobre 2019

È ADOLFO NATALINI IL PROTAGONISTA DEL SESTO APPUNTAMENTO DI PARADIGMA. IL PROGETTO PERIODICO IDEATO DA SERGIO RISALITI CURATO DA LAURA ANDREINI E REALIZZATO GRAZIE A MANIFATTURA TABACCHI CHE VEDE AL CENTRO DI VOLTA IN VOLTA I PROGETTI DI CELEBRI ARCHITETTI, COLLETTIVI E STUDI DI ARCHITETTURA DEL PANORAMA CONTEMPORANEO DISPOSTI SOPRA E INTORNO AL TAVOLO, SUPPORTO PER ECCELLENZA PER LA CREAZIONE DI UN ARCHITETTO. Per un professionista dell’architettura il tavolo è lo specchio di un’organizzazione mentale dove, tra una pila di fogli, l’agenda ed il portapenne, si ritagliano il proprio spazio oggetti legati ai rapporti personali, alle idee, alle abitudini.

Adolfo Natalini porta in mostra al Museo Novecento, nel loggiato coperto al piano terra, una selezione dei suoi preziosi disegni ripercorrendo la storia di uomo e di architetto attraverso le pagine dei quaderni che lo hanno accompagnano sempre, in ogni momento della sua carriera e in ogni luogo. La sua mano è instancabile fin dal 1954, anno in cui ha iniziato a mettere su carta, con minuziosa attenzione, tutto ciò che lo circonda: “disegnavo la mia mano, ritratti di compagni di scuola, paesaggi, autoritratti”, spiega. Pistoiese di nascita si trasferisce a Firenze negli anni dell’Università dove si laurea in Architettura. Nel 1966 fonda il gruppo d’avanguardia Superstudio che inaugura la stagione dell’Architettura Radicale e che lo porterà ad esporre le sue opere in una mostra al MoMa di New York nel 1972. Conclusa l’esperienza dei Superstudio, nel 1978, inizia la carriera da progettista

 Tra le maggiori opere si ricordano: la ricostruzione della Waagstraat a Groningen, il Museo dell’Opificio delle Pietre Dure a Firenze, la Dorotheenhof sulla Manetstrasse a Lipsia, la Muzenplein a l’Aja, il Centro Commerciale di Campi Bisenzio, il Polo Universitario di Novoli, Boscotondo a Helmond, Het Eiland a Zwolle, Haverlej a Den Bosch, il Museo dell’Opera del Duomo e il progetto per i Nuovi Uffizi.

Il disegno rimane comunque la pratica principale perseguita in ogni momento della vita. Ogni segno è legato ad un pensiero; ogni architettura è legata ad uno schizzo. Il disegno dona un ordine ai suoi pensieri: instancabili flussi creativi di un grande protagonista dei nostri tempi.

Orario estivo (1 aprile – 30 settembre)
Lun – Mar – Mer – Sab – Dom | 11:00 – 20:00
Giovedì| 11:00 – 14:00
Venerdì | 11:00 – 23:00
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura

 Biglietti

Intero museo
€ 9,50

Ridotto museo*
€ 4,50

Fino a 18 anni
Gratuito

*18-25 anni e studenti universitari.

 

Poppi (Arezzo)

Per i 500 anni dalla morte di Leonardo da Vinci dal 7 gennaio 2019 al 27 settembre 2019 un’esposizione della Tavola Doria al Castello di Poppi ripercorre i molti misteri legati a quest’opera

La Tavola Doria è un dipinto raffigurante la parte centrale della celebre opera pittorica murale della Battaglia di Anghiari di Leonardo Da Vinci, realizzato tra il 1503 ed il 1505. L’autore è ignoto e la critica si divide tra chi la reputa opera dello stesso Leonardo e chi la ritiene una copia di un autore fiorentino del XVI secolo.
Della tavola non si avevano più notizie dal 1939, anno in cui fu venduta all’asta dalla famiglia Doria che la deteneva dal 1621. In seguito l’opera viene vincolata con decreto della Reale Soprintendenza alle Gallerie di Napoli, ma nel 1940 (per canali non potuti appurare) l’opera lascia Napoli e da allora se ne perdono le tracce.
Da quel momento la tavola scompare in un caveau svizzero, nel porto franco di Lugano. L’opera, ricercata dalle forze di polizia italiane, era stata segnalata in Giappone da Alessandro Vezzosi, uno dei massimi esperti mondiali di Leonardo.
Nel giugno 2012, grazie anche alle attività investigative dei Carabinieri del Comando Tutela Patrimonio Culturale, l’opera conservata presso il caveau di una banca di Ginevra per conto del Tokyo Fuji Art Museum che l’aveva regolarmente ed in perfetta buona fede acquistata nel 1992, è stata donata all’Italia con un accordo con il Giappone che prevede per 26 anni un’alternanza espositiva tra i due paesi, al termine dei quali l’opera resterà permanentemente in Italia.
L’opera  è accompagnata da un filmato e da spiegazioni sia in italiano che in inglese; con il medesimo biglietto di ingresso,  si ha la possibilità di visitare il castello e tutte le sue stanze

Il Castello di Poppi fu edificato dai Conti Guidi, antica famiglia comitale toscana, nel XIII secolo. Per la costruzione si fanno i nomi di Lapo di Cambio e Arnolfo di Cambio, per questo motivo si nota una disuguaglianza di stili tra la parte sinistra (un solo ordine di bifore con cornici marcapiano) e la parte destra (a due ordini di bifore entro arcate a tutto sesto). L’edificio ha subito nel tempo numerosi rimaneggiamenti che però non ne hanno alterato l’aspetto originario che nell’austerità del blocco serrato esprime potenza e intenzioni di difesa. L’insieme è circondato da mura di cinta con merli Guelfi e da un ampio fossato. Ad accrescere la protezione dell’ingresso principale si trova un piccolo edificio detto “munizione”, avanzato rispetto alla cortina delle mura, in cui era il dispositivo del ponte levatoio.

Orari

Aperto tutto l’anno, dal 7 gennaio al 15 marzo e dal 2 novembre al 24 dicembre dal giovedì alla domenica dalle 10:00 alle 17:00.
Dal 16 marzo al 1 novembre tutti i giorni dalle 10:00 alle 18:00. Luglio e agosto orario protratto fino alle 19:00.
Dal 26 dicembre al 6 gennaio tutti i giorni dalle 10:00 alle 17:00.

Biglietti

Intero: € 6
Ridotto: € 4 (bambini di età compresa fra i 6 e i 12 anni e gruppi di almeno 20 persone)
Gratis i bambini fino a 5 anni, diversamente abili e loro accompagnatori, guide autorizzate della Regione Toscana e residenti nel Comune di Poppi.

Possibilità di prenotare visite guidate ed attività didattiche.

 

 

CARMI – museo Carrara e Michelangelo

via Sorgnano,Carrara

1 agosto 2019 –  / 10 giugno 2020

Dal primo agosto, fino al 10 giugno 2020, CARMI – Museo Carrara e Michelangelo a Villa Fabbricotti presenta “Canova – Il viaggio a Carrara“. La mostra indaga il rapporto tra l’artista simbolo del Neoclassicismo e Carrara, la capitale internazionale del marmo, mettendo in dialogo cinque preziosi gessi originali e documenti conservati presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara che vanta una ricca gipsoteca e che quest’anno celebra i 250 anni della sua fondazione

La mostra è stata ideata e prodotta da Cose Belle d’Italia Media Entertainment in esclusiva e in collaborazione con il Museo CARMI e curata da Mario Guderzo, direttore della Gypsotheca e Museo Antonio Canova di Possagno (Treviso) con il contributo di un comitato scientifico di respiro internazionale.
Spettacolare il percorso multimediale che l’esposizione offre, dedicato all’esplorazione dell’intera vicenda canoviana, narrata al pubblico dalla voce di Adriano Giannini con le musiche del violoncellista Giovanni Sollima. Ad arricchire il percorso, all’interno del ricco universo creativo dell’artista, un corpo di lettere dell’Archivio di Stato di Massa, nonché un contratto, finora sconosciuto, del 1783 tra il conte Del Medico Staffetti e Antonio Canova (Collezione Andrea Sarteschi, Sarzana) per l’acquisto dei blocchi di marmo necessari per la realizzazione del “Monumento funebre di Clemente XIV”. La mostra si sviluppa nella splendida cornice del Museo CARMI – inaugurato lo scorso 2 giugno 2018 nell’ottocentesca Villa Fabbricotti, circondata dal Parco della Padula, sede di una collezione di opere di scultura ambientale, attraverso sei ambienti di forte impatto emozionale, in cui preziose opere come la “Maddalena giacente“, uno degli ultimi gessi canoviani da poco restaurato dall’Accademia di Belle Arti di Carrara, sono inserite nell’allestimento multimediale per evidenziare e tradurre il significato di uno dei più appassionanti processi creativi della storia della scultura europea.

ORARI

Dal 1 giugno al 14 settembre : da martedì a domenica11:00 -19:00. il giovedì dalle 11:00 alle 23:00.

Biglietti

Interi   5 euro

Ridotti 3 euro

 

Museo del Novecento Firenze                      12 luglio – 10 ottobre 2019

GINO SEVERINI (CORTONA 1883 – PARIGI 1966) È IL PROTAGONISTA DEL QUINTO APPUNTAMENTO DI SOLO, CICLO ESPOSITIVO CHE INTENDE OFFRIRE UN CONCISO E STUDIATO RITRATTO DI ALCUNI GRANDI MAESTRI DEL NOVECENTO.

La mostra , resa possibile grazie al sostegno di Banca Monte dei Paschi di Siena, si concentra sulla produzione risalente agli anni Venti e Trenta dell’artista toscano, proponendo una selezione di opere in cui l’iconografia dei soggetti è legata alla Commedia dell’arte, al teatro e alla musica. A partire dagli anni Venti, Severini si appassiona infatti alle figure e alle vicende di maschere della commedia dell’arte, come Pulcinella e Arlecchino. Clown, saltimbanchi, eroi del circo stavano affascinando numerosi artisti quali Picasso, Gris e Rouault, musicisti come Stravinskij, che aveva composto nel 1919-1920 il balletto neoclassico «Ballet avec chant» Pulchinella (Musique d’après Pergolesi), e impresari come Djagilev. Le occasioni principali per cimentarsi con questi temi sono rappresentate per Severini dalla decorazione di due ambienti privati: il Castello di Montegufoni, di proprietà di Sir George Sitwell, nei pressi di Firenze (1921-22) e la Maison di Léonce Rosenberg, suo mercante francese, a Parigi (1928-29).

L’esposizione ospitata nelle sale al secondo piano del museo,riporta per la prima volta in Italia una selezione di gouaches relative alla Sala delle Maschere di Montegufoni, dove Severini recupera la tradizione dell’affresco. La mostra presenta inoltre quattro dei sei pannelli che decoravano la dimora Rosenberg, in cui paesaggi classici ricchi di riferimenti all’antico sono animati dalle maschere. Completano la mostra alcuni disegni preparatori relativi ad entrambe le decorazioni e diversi documenti che attestano le ricerche attorno a questi soggetti: materiali che rivelano con vivida concretezza lo studio della geometria e delle leggi della proporzione che ha guidato Severini nell’elaborazione delle forme e che nutrirà anche le pagine di Du Cubisme au classicisme (1921). La ricerca di una purezza stilistica incontra le vicende umane e sociali rappresentate dalle maschere, restituendo un mondo gioioso, ma al tempo stesso malinconico. Queste opere, successive alla stagione delle avanguardie, si inseriscono nella tendenza ad un nuovo classicismo, tipica del clima artistico e culturale tra le due guerre, che trova in Severini un attento anticipatore come testimoniato dalla celebre Maternità del 1916, con la quale si apre la mostra.

Gino Severini (Cortona, Arezzo 1883 – Parigi 1966) si trasferisce giovanissimo a Roma, dove conosce Umberto Boccioni, con cui frequenta lo studio di Giacomo Balla avvicinandosi alla tecnica divisionista. Dal 1906 si sposta a Parigi, alternando soggiorni e viaggi in Italia. Nella capitale francese frequenta gli ambienti della bohème e stringe amicizia con artisti come Modigliani, Braque, Picasso e Gris, e con poeti e critici quali Apollinaire, Jacob e Fort.Tra i firmatari del Manifesto della pittura futurista (1910), nel 1912 partecipa alla prima mostra collettiva dei futuristi presso la Galleria Bernheim-Jeune di Parigi. I lavori di questo periodo, vicini alle ricerche cubiste e futuriste, indagano la visione simultanea dello spazio e del tempo, ottenuta con una scomposizione dei piani. Allo scoppio della Prima guerra mondiale prosegue le proprie ricerche in più direzioni, fino ad approdare ai volumi solidi e classici dell’opera Maternità (1916), esposta in mostra. Nel 1921 pubblica Du Cubisme au classicisme, in cui anticipa il clima europeo del “ritorno all’ordine”. Queste teorie verranno applicate anche negli affreschi eseguiti nel castello di Montegufoni nel 1921 su commissione di Sir George Sitwell e grazie al tramite di Léonce Rosenberg, suo mercante parigino. Tornato a Parigi, frequenta il filosofo cattolico Maritain e inizia a dedicarsi a temi sacri, lavorando a grandi cicli decorativi. In quegli anni è tra gli esponenti degli Italiens de Paris e in Italia partecipa alle principali manifestazioni di ambito nazionale. Al 1929 risale la decorazione con Pulcinella e altre maschere per Casa Rosenberg a Parigi, dove lavora al fianco di Savinio, De Chirico e Picabia. Si dedica molto anche alla scenografia, con lavori per il Maggio Musicale Fiorentino e La Fenice. Nel dopoguerra si stabilisce a Meudon e prosegue la sua ricerca stilistica, con un interesse crescente verso l’astrazione.

A cura di Lino Mannocci e Sergio Risaliti

MUSEO NOVECENTO
Piazza Santa Maria Novella 10, 50123 Firenze, Italia 

Orario estivo (1 aprile – 30 settembre)

Lun – Mar – Mer – Sab – Dom | 11:00 – 20:00
Giovedì| 11:00 – 14:00
Venerdì | 11:00 – 23:00
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura

 Biglietti

Intero  € 9,50

Ridotto € 4,50

Fino a 18 anni Gratuito

 

 

 

 

 

 

 

Una fortezza  contemporanea. Con una doppia mostra il Forte Belvedere di Firenze conferma anche per l’estate 2019 la sua vocazione di luogo espositivo dedicato all’arte di oggi: dentro la palazzina “A perfect day” che raccoglie  gli scatti del maestro della fotografia Massimo Listri, fuori “My land”, gli animali maestosi dello scultore Davide Rivalta.

“A perfect day”, le foto di Massimo Listri

Al primo piano della palazzina del Forte Belvedere prendono posto 25 immagini di grande impatto e formato, scattare da Massimo Listri, maestro della fotografia architettonica e d’ambiente. “A perfect day” è una galleria di vedute fiorentine, tutte realizzate indoor. Per questa mostra Listri ha immortalato il convento di San Marco, gli Uffizi, Palazzo Vecchio e San Lorenzo,  con una visione panottica della Sagrestia Nuova di Michelangelo.  Accanto agli interni del Rinascimento, le foto di spazi industriali e storici.

“My land”, le sculture di Davide Rivalta

Dentro e all’esterno dell’edificio, nella grande terrazza che guarda Firenze e sui bastioni, il Forte Belvedere ospita la seconda mostra, “My land” 12 sculture in bronzo di Davide Rivalta, grandi animali colti nella loro essenza tra bufale, aquile, rinoceronti e lupi. Al livello seminterrato quest’anno si aggiungono al percorso espositivo nuove sale, che vengono trasformate dall’artista in una grotta di Lascaux grazie alla tecnica del wall drawing con disegni site specific. Le “bestie” di Rivalta invaderanno anche altri luoghi di Firenze, con un rinoceronte nello spazio esterno della cavea del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino e con un orso sotto il loggiato del Museo Novecento.

Il Forte è aperto per  “A perfect day” e “My land” dal 29 giugno al 20 ottobre ogni giorno, ad esclusione del lunedì, con orario 11.00-20.00.

 Il biglietto costa 3 euro, ridotto 1,50 euro per i residenti nella Città metropolitana di Firenze e dà diritto anche all’ingresso al Museo Novecento (mentre chi ha il biglietto del Museo Novecento entra gratis al Forte

 

Fondazione Centro Matteucci per l’Arte Moderna

Via Gabriele D’Annunzio, 28, 55049 Viareggio Lucca

2 giugno/3 novembre 2019

 

Quaranta donne normali, di famiglia o della porta accanto. Mai dive, se non – forse – tra le mura di casa. A formare una smagliante e cangiante galleria di personalità, ognuna a suo modo protagonista in una frazione di tempo e in un angolo di spazio.

Di questa galleria di tipi femminili, la  Fondazione Matteucci presenta– dal 2 giugno al 3 novembre – un’affascinante selezione, che muove dal primo Ottocento e approda al Novecento, con affondi intenzionali e suggestivi nei due dopoguerra, entrambi forieri di grandi mutamenti. Opere sceltissime, talvolta mai prima esposte, di Fattori e Lega, Induno, Favretto, Casorati e Sironi, tra gli altri.

In questa parata di donne ritratte o idealizzate, nessuno dei modelli prevalenti manca all’appello: l’eterna Eva si presenta di quadro in quadro in condizioni mutevoli di status e umore, angelo della famiglia o sirena ammaliatrice, popolana o borghese, lavoratrice o padrona di casa della buona società, lieta o malinconica, operosa o riflessiva. In esse si riconosce in filigrana non solo la Musa ispiratrice, ma anche gli infiniti altri prototipi stratificati nell’immaginario culturale dell’Occidente. La purissima Maria Vergine e la peccatrice Maddalena, Lia e Marta simboleggianti la vita attiva con Rachele e Maria allegorie della vita contemplativa, la carnale Venere e la materna Giunone, Salomè la seduttrice e Circe la maga.

“Una galleria d’istantanee tratte da un ideale album di famiglia che è andato formandosi nelle stagioni più diverse della vita”, anticipa Giuliano Matteucci.

“Figure che non ambiscono ad un posto nel Parnaso e che, al di là di ogni metafora, offrono della donna il volto più autentico, sofisticato e attraente. Immagini che, seppur condivise, si direbbero segretamente carpite, per la facilità con cui l’artista ha conferito al modello una personale dignità, facendone emergere il celato fascino”.

Sbaglierebbe chi immaginasse una parata di persone dimesse, di figure di solo contorno. Al contrario le donne protagoniste di questa esposizione sono fiere del loro essere, perfettamente consapevoli del loro valore, ricche di una sensualità che, proprio perché non platealmente esibita, cattura sguardo e sentimento.

Donne che oggi si potrebbero definire come “realizzate”, nonostante il loro non volersi porre al centro del palcoscenico.

“Una galleria di antidive, nella quale si troverebbe certamente a disagio la determinata femminilità di una Marie Curie o di una Coco Chanel, poiché a prevalere è un altro tipo di donna che non ha difficoltà a confermarsi moglie e madre, in quei ruoli, insomma, che nella routine del quotidiano ne nobilitano i sentimenti e lo spirito”, evidenzia ancora il curatore.

“Anche due artisti come Hayez e Boldini, che sul modello della Venere senza veli, carnale e sensuale, messa in posa da Tiziano, Fragonard, Goya o Courbet, hanno costruito gran parte della loro fortuna, figurano qui con opere che non lasciano spazio all’immaginazione. Lo stesso dicasi dei nudi di D’Ancona e Casorati, tanto casti che più non si può”.

“Ciascuna di loro sollecita la nostra fantasia, parlando di stagioni più o meno felici”.

“Spetta a noi farle rivivere, nella loro trattenuta e schietta espressività, come protagoniste di storie ed esperienze, successi e delusioni, cogliendo nella semplice naturalezza del carattere, degli umori, delle passioni, dei sentimenti quanto d’insondabile è in ogni donna”.

  

Orari: dal 2 giugno al 1 settembre: mar-ven 17.30-22.00; sab-dom 10.00-13.00; 17.30-22.00; dal 3 settembre al 3 novembre: mar-ven 15.30-19.30; sab-dom 10.00-13.00; 15.30-19.30; lunedì chiuso.
Informazioni: 0584430614 – info@cemamo.it.

 

 

Reggio Emilia, Palazzo dei Musei
6 aprile – 14 luglio 2019 

La mostra, in programma dal 6 aprile, è a cura di Virginia Bertone, Elisabetta Farioli, Claudio Spadoni e coinvolge la Fondazione Torino Musei-Galleria d’arte moderna e la Galleria Ricci Oddi di Piacenza

“Felice l’artista che nasce dopo morto” confidò Antonio Fontanesi a un suo allievo. E la mostra “Antonio Fontanesi e la sua eredità. Da Pellizza da Volpedo a Burri” che Reggio Emilia propone dal 6 aprile al 14 luglio a Palazzo dei musei, a duecento anni dalla nascita dell’artista, è un po’ la storia di una “resurrezione” artistica.

Nella mostra, i dipinti di Antonio Fontanesi provenienti da importanti musei e collezioni italiane sono posti a confronto con le opere degli artisti che la critica ha collegato con la sua produzione, individuandone possibili motivi di ispirazione in un arco cronologico che dagli anni Ottanta dell’Ottocento arriva fino agli anni Sessanta del Novecento. Sono documentati i rapporti con la cultura simbolista e divisionista attraverso opere di Vittore Grubicy, Leonardo Bistolfi, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Angelo Morbelli ma anche la sua ripresa negli anni Venti ad opera di Carlo Carrà, Felice Casorati, Arturo Tosi. L’ultima sezione è dedicata alle interessanti interpretazioni critiche degli anni Cinquanta di Roberto Longhi e poi di Francesco Arcangeli. Quest’ultimo infatti, nell’individuare una continuità tra la concezione moderna dell’arte e la grande tradizione ottocentesca, inserisce Fontanesi nell’evoluzione di un naturalismo che nel dopoguerra arriva a Ennio Morlotti, Mattia Moreni, Pompilio Mandelli spingendosi fino alle ricerche materiche di Alberto Burri

Antonio Fontanesi inquieto nell’arte e nella vita, “artista randagio” per i contemporanei, “globetrotter” lo definiremmo oggi, ha trascorso un’esistenza densa di esperienze e incontri.
A Reggio Emilia, città dove nasce nel 1818, rimane fino a trent’anni quando, spinto dall’urgenza di partecipazione patriottica, si rifugia in Svizzera dove nel 1850 si stabilisce, a Ginevra, città che segna una tappa importante della sua vita. Da qui si sposta continuamente per dipingere tra i paesaggi del delfinato, ma compie anche importanti viaggi europei fondamentali per la sua arte: Parigi nel 1855 e nel 1861, Londra nel 1865. Il breve soggiorno a Firenze nel 1866 segna la sua volontà di tornare in patria, unitamente alla ricerca di un insegnamento accademico che gli offrisse stabilità economica. Dopo la breve esperienza di Lucca, finalmente nel 1869 ottiene la cattedra di paesaggio all’Accademia Albertina di Torino. Non si placa anche in questi anni la sua inquietudine di uomo e di artista; dal 1876 al 1878 si trasferisce a Tokyo dove insegna alla Scuola d’arte. Tornato a Torino, dove muore nel 1882, trascorre gli ultimi anni tra incomprensioni e difficoltà.

Palazzo dei Musei
via Spallanzani, 1 – t. 0522 456816

orario di apertura invernale
dal martedì al venerdì 09.00 / 12.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 / 13.00 e 16.00 / 19.00
orari di apertura estivi (luglio – agosto)
dal martedì al sabato 9.00 / 12.00 – 21.00 / 23.00
domenica e festivi: 21.00 / 23.00
lunedì chiuso

Ingresso gratuito

 

 

 

 

 

Dal 5 aprile al 14 luglio  nello Spazio Mostre di Fondazione CR Firenze, un viaggio tra i documenti e le opere dell’artista. Iniziativa promossa dalla Fondazione CR Firenze, con la curatela dell’Archivio Luciano Caruso

Una personalità multiforme quella di Luciano Caruso (Foglianise, 1944 – Firenze, 2002), che ha intrecciato la sua attività di artista con quelle di saggista, critico, organizzatore di eventi culturali e studioso.

Tra gli anni ’60 e ’70 egli fu riferimento decisivo per le sperimentazioni sui rapporti tra immagine e parola; per la sua attività nel campo delle riviste d’avanguardia, di cui fu fondatore e collaboratore; per la promozione di progetti innovativi quali la pubblicazione dei Manifesti futuristi e l’organizzazione dell’importante collezione di libri d’artista per la Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze.

La mostra presenta un nucleo selezionato di 30 opere, oltre a materiale d’archivio, che ne visualizzano l’intenso itinerario artistico e intellettuale attraverso un viaggio a ritroso: dall’ultimo libro-opera Periplo, realizzato a Firenze nel 2002, passando per le tavole de La via della seta, sino a risalire alla serie Atlante legata agli esordi verbo-visuali a Napoli negli anni Sessanta.

 

INGRESSO LIBERO
Spazio Mostre Fondazione CR Firenze
Via Bufalini 6 – Firenze
dal giovedì alla domenica
ore 10/13 e 15/18

INFO E PRENOTAZIONI
Tel. +39 055 5384 001/997
spaziomostre@fcrf.it

 

Villa Bardini (Costa San Giorgio 2) e Museo Stefano Bardini (via dei Renai 37)
Dal 13 aprile al 22 settembre

 

La prima mostra italiana dedicata alla danzatrice americana Isadora Duncan e al suo rapporto con le arti figurative italiane è ospitata a Villa Bardini e al Museo Stefano Bardini dal 13 aprile al 22 settembre.

Dipinti, sculture e documenti, fra i quali fotografie inedite, ripercorreranno il legame con l’Italia di colei che rivoluzionò le teorie accademiche della danza, per avviare una moderna e innovativa visione del corpo femminile, e del suo movimento, nello spazio, prendendo le mosse dall’influenza che ebbe nel contesto internazionale. Sono circa 170 i pezzi che saranno allestiti su due piani di Villa Bardini e una speciale sezione dedicata alle grandi sculture sarà allestita nel Museo Stefano Bardini.

L’esposizione a cura di Maria Flora Giubilei e Carlo Sisi, è promossa da Fondazione CR Firenze e da Fondazione Parchi Monumentali Bardini e Peyron, con il patrocinio del Comune di Firenze.

Orario: 10-19, chiuso i lunedì feriali, ultimo ingresso ore 18.00; biglietti: intero € 10.00, ridotto € 5.00.
Tel 055 20066233 (da lunedì al venerdì 15-18 e mercoledì 10-13)
eventi@villabardini.it
www.villabardini.it