Mostre

CARMI – museo Carrara e Michelangelo

via Sorgnano,Carrara

1 agosto 2019 –  / 10 giugno 2020

Dal primo agosto, fino al 10 giugno 2020, CARMI – Museo Carrara e Michelangelo a Villa Fabbricotti presenta “Canova – Il viaggio a Carrara“. La mostra indaga il rapporto tra l’artista simbolo del Neoclassicismo e Carrara, la capitale internazionale del marmo, mettendo in dialogo cinque preziosi gessi originali e documenti conservati presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara che vanta una ricca gipsoteca e che quest’anno celebra i 250 anni della sua fondazione

La mostra è stata ideata e prodotta da Cose Belle d’Italia Media Entertainment in esclusiva e in collaborazione con il Museo CARMI e curata da Mario Guderzo, direttore della Gypsotheca e Museo Antonio Canova di Possagno (Treviso) con il contributo di un comitato scientifico di respiro internazionale.
Spettacolare il percorso multimediale che l’esposizione offre, dedicato all’esplorazione dell’intera vicenda canoviana, narrata al pubblico dalla voce di Adriano Giannini con le musiche del violoncellista Giovanni Sollima. Ad arricchire il percorso, all’interno del ricco universo creativo dell’artista, un corpo di lettere dell’Archivio di Stato di Massa, nonché un contratto, finora sconosciuto, del 1783 tra il conte Del Medico Staffetti e Antonio Canova (Collezione Andrea Sarteschi, Sarzana) per l’acquisto dei blocchi di marmo necessari per la realizzazione del “Monumento funebre di Clemente XIV”. La mostra si sviluppa nella splendida cornice del Museo CARMI – inaugurato lo scorso 2 giugno 2018 nell’ottocentesca Villa Fabbricotti, circondata dal Parco della Padula, sede di una collezione di opere di scultura ambientale, attraverso sei ambienti di forte impatto emozionale, in cui preziose opere come la “Maddalena giacente“, uno degli ultimi gessi canoviani da poco restaurato dall’Accademia di Belle Arti di Carrara, sono inserite nell’allestimento multimediale per evidenziare e tradurre il significato di uno dei più appassionanti processi creativi della storia della scultura europea.

ORARI

Dal 1 giugno al 14 settembre : da martedì a domenica11:00 -19:00. il giovedì dalle 11:00 alle 23:00.

Biglietti

Interi   5 euro

Ridotti 3 euro

 

Museo del Novecento Firenze                      12 luglio – 10 ottobre 2019

GINO SEVERINI (CORTONA 1883 – PARIGI 1966) È IL PROTAGONISTA DEL QUINTO APPUNTAMENTO DI SOLO, CICLO ESPOSITIVO CHE INTENDE OFFRIRE UN CONCISO E STUDIATO RITRATTO DI ALCUNI GRANDI MAESTRI DEL NOVECENTO.

La mostra , resa possibile grazie al sostegno di Banca Monte dei Paschi di Siena, si concentra sulla produzione risalente agli anni Venti e Trenta dell’artista toscano, proponendo una selezione di opere in cui l’iconografia dei soggetti è legata alla Commedia dell’arte, al teatro e alla musica. A partire dagli anni Venti, Severini si appassiona infatti alle figure e alle vicende di maschere della commedia dell’arte, come Pulcinella e Arlecchino. Clown, saltimbanchi, eroi del circo stavano affascinando numerosi artisti quali Picasso, Gris e Rouault, musicisti come Stravinskij, che aveva composto nel 1919-1920 il balletto neoclassico «Ballet avec chant» Pulchinella (Musique d’après Pergolesi), e impresari come Djagilev. Le occasioni principali per cimentarsi con questi temi sono rappresentate per Severini dalla decorazione di due ambienti privati: il Castello di Montegufoni, di proprietà di Sir George Sitwell, nei pressi di Firenze (1921-22) e la Maison di Léonce Rosenberg, suo mercante francese, a Parigi (1928-29).

L’esposizione ospitata nelle sale al secondo piano del museo,riporta per la prima volta in Italia una selezione di gouaches relative alla Sala delle Maschere di Montegufoni, dove Severini recupera la tradizione dell’affresco. La mostra presenta inoltre quattro dei sei pannelli che decoravano la dimora Rosenberg, in cui paesaggi classici ricchi di riferimenti all’antico sono animati dalle maschere. Completano la mostra alcuni disegni preparatori relativi ad entrambe le decorazioni e diversi documenti che attestano le ricerche attorno a questi soggetti: materiali che rivelano con vivida concretezza lo studio della geometria e delle leggi della proporzione che ha guidato Severini nell’elaborazione delle forme e che nutrirà anche le pagine di Du Cubisme au classicisme (1921). La ricerca di una purezza stilistica incontra le vicende umane e sociali rappresentate dalle maschere, restituendo un mondo gioioso, ma al tempo stesso malinconico. Queste opere, successive alla stagione delle avanguardie, si inseriscono nella tendenza ad un nuovo classicismo, tipica del clima artistico e culturale tra le due guerre, che trova in Severini un attento anticipatore come testimoniato dalla celebre Maternità del 1916, con la quale si apre la mostra.

Gino Severini (Cortona, Arezzo 1883 – Parigi 1966) si trasferisce giovanissimo a Roma, dove conosce Umberto Boccioni, con cui frequenta lo studio di Giacomo Balla avvicinandosi alla tecnica divisionista. Dal 1906 si sposta a Parigi, alternando soggiorni e viaggi in Italia. Nella capitale francese frequenta gli ambienti della bohème e stringe amicizia con artisti come Modigliani, Braque, Picasso e Gris, e con poeti e critici quali Apollinaire, Jacob e Fort.Tra i firmatari del Manifesto della pittura futurista (1910), nel 1912 partecipa alla prima mostra collettiva dei futuristi presso la Galleria Bernheim-Jeune di Parigi. I lavori di questo periodo, vicini alle ricerche cubiste e futuriste, indagano la visione simultanea dello spazio e del tempo, ottenuta con una scomposizione dei piani. Allo scoppio della Prima guerra mondiale prosegue le proprie ricerche in più direzioni, fino ad approdare ai volumi solidi e classici dell’opera Maternità (1916), esposta in mostra. Nel 1921 pubblica Du Cubisme au classicisme, in cui anticipa il clima europeo del “ritorno all’ordine”. Queste teorie verranno applicate anche negli affreschi eseguiti nel castello di Montegufoni nel 1921 su commissione di Sir George Sitwell e grazie al tramite di Léonce Rosenberg, suo mercante parigino. Tornato a Parigi, frequenta il filosofo cattolico Maritain e inizia a dedicarsi a temi sacri, lavorando a grandi cicli decorativi. In quegli anni è tra gli esponenti degli Italiens de Paris e in Italia partecipa alle principali manifestazioni di ambito nazionale. Al 1929 risale la decorazione con Pulcinella e altre maschere per Casa Rosenberg a Parigi, dove lavora al fianco di Savinio, De Chirico e Picabia. Si dedica molto anche alla scenografia, con lavori per il Maggio Musicale Fiorentino e La Fenice. Nel dopoguerra si stabilisce a Meudon e prosegue la sua ricerca stilistica, con un interesse crescente verso l’astrazione.

A cura di Lino Mannocci e Sergio Risaliti

MUSEO NOVECENTO
Piazza Santa Maria Novella 10, 50123 Firenze, Italia 

Orario estivo (1 aprile – 30 settembre)

Lun – Mar – Mer – Sab – Dom | 11:00 – 20:00
Giovedì| 11:00 – 14:00
Venerdì | 11:00 – 23:00
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura

 Biglietti

Intero  € 9,50

Ridotto € 4,50

Fino a 18 anni Gratuito

 

 

 

 

 

 

 

Una fortezza  contemporanea. Con una doppia mostra il Forte Belvedere di Firenze conferma anche per l’estate 2019 la sua vocazione di luogo espositivo dedicato all’arte di oggi: dentro la palazzina “A perfect day” che raccoglie  gli scatti del maestro della fotografia Massimo Listri, fuori “My land”, gli animali maestosi dello scultore Davide Rivalta.

“A perfect day”, le foto di Massimo Listri

Al primo piano della palazzina del Forte Belvedere prendono posto 25 immagini di grande impatto e formato, scattare da Massimo Listri, maestro della fotografia architettonica e d’ambiente. “A perfect day” è una galleria di vedute fiorentine, tutte realizzate indoor. Per questa mostra Listri ha immortalato il convento di San Marco, gli Uffizi, Palazzo Vecchio e San Lorenzo,  con una visione panottica della Sagrestia Nuova di Michelangelo.  Accanto agli interni del Rinascimento, le foto di spazi industriali e storici.

“My land”, le sculture di Davide Rivalta

Dentro e all’esterno dell’edificio, nella grande terrazza che guarda Firenze e sui bastioni, il Forte Belvedere ospita la seconda mostra, “My land” 12 sculture in bronzo di Davide Rivalta, grandi animali colti nella loro essenza tra bufale, aquile, rinoceronti e lupi. Al livello seminterrato quest’anno si aggiungono al percorso espositivo nuove sale, che vengono trasformate dall’artista in una grotta di Lascaux grazie alla tecnica del wall drawing con disegni site specific. Le “bestie” di Rivalta invaderanno anche altri luoghi di Firenze, con un rinoceronte nello spazio esterno della cavea del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino e con un orso sotto il loggiato del Museo Novecento.

Il Forte è aperto per  “A perfect day” e “My land” dal 29 giugno al 20 ottobre ogni giorno, ad esclusione del lunedì, con orario 11.00-20.00.

 Il biglietto costa 3 euro, ridotto 1,50 euro per i residenti nella Città metropolitana di Firenze e dà diritto anche all’ingresso al Museo Novecento (mentre chi ha il biglietto del Museo Novecento entra gratis al Forte

 

Fondazione Centro Matteucci per l’Arte Moderna

Via Gabriele D’Annunzio, 28, 55049 Viareggio Lucca

2 giugno/3 novembre 2019

 

Quaranta donne normali, di famiglia o della porta accanto. Mai dive, se non – forse – tra le mura di casa. A formare una smagliante e cangiante galleria di personalità, ognuna a suo modo protagonista in una frazione di tempo e in un angolo di spazio.

Di questa galleria di tipi femminili, la  Fondazione Matteucci presenta– dal 2 giugno al 3 novembre – un’affascinante selezione, che muove dal primo Ottocento e approda al Novecento, con affondi intenzionali e suggestivi nei due dopoguerra, entrambi forieri di grandi mutamenti. Opere sceltissime, talvolta mai prima esposte, di Fattori e Lega, Induno, Favretto, Casorati e Sironi, tra gli altri.

In questa parata di donne ritratte o idealizzate, nessuno dei modelli prevalenti manca all’appello: l’eterna Eva si presenta di quadro in quadro in condizioni mutevoli di status e umore, angelo della famiglia o sirena ammaliatrice, popolana o borghese, lavoratrice o padrona di casa della buona società, lieta o malinconica, operosa o riflessiva. In esse si riconosce in filigrana non solo la Musa ispiratrice, ma anche gli infiniti altri prototipi stratificati nell’immaginario culturale dell’Occidente. La purissima Maria Vergine e la peccatrice Maddalena, Lia e Marta simboleggianti la vita attiva con Rachele e Maria allegorie della vita contemplativa, la carnale Venere e la materna Giunone, Salomè la seduttrice e Circe la maga.

“Una galleria d’istantanee tratte da un ideale album di famiglia che è andato formandosi nelle stagioni più diverse della vita”, anticipa Giuliano Matteucci.

“Figure che non ambiscono ad un posto nel Parnaso e che, al di là di ogni metafora, offrono della donna il volto più autentico, sofisticato e attraente. Immagini che, seppur condivise, si direbbero segretamente carpite, per la facilità con cui l’artista ha conferito al modello una personale dignità, facendone emergere il celato fascino”.

Sbaglierebbe chi immaginasse una parata di persone dimesse, di figure di solo contorno. Al contrario le donne protagoniste di questa esposizione sono fiere del loro essere, perfettamente consapevoli del loro valore, ricche di una sensualità che, proprio perché non platealmente esibita, cattura sguardo e sentimento.

Donne che oggi si potrebbero definire come “realizzate”, nonostante il loro non volersi porre al centro del palcoscenico.

“Una galleria di antidive, nella quale si troverebbe certamente a disagio la determinata femminilità di una Marie Curie o di una Coco Chanel, poiché a prevalere è un altro tipo di donna che non ha difficoltà a confermarsi moglie e madre, in quei ruoli, insomma, che nella routine del quotidiano ne nobilitano i sentimenti e lo spirito”, evidenzia ancora il curatore.

“Anche due artisti come Hayez e Boldini, che sul modello della Venere senza veli, carnale e sensuale, messa in posa da Tiziano, Fragonard, Goya o Courbet, hanno costruito gran parte della loro fortuna, figurano qui con opere che non lasciano spazio all’immaginazione. Lo stesso dicasi dei nudi di D’Ancona e Casorati, tanto casti che più non si può”.

“Ciascuna di loro sollecita la nostra fantasia, parlando di stagioni più o meno felici”.

“Spetta a noi farle rivivere, nella loro trattenuta e schietta espressività, come protagoniste di storie ed esperienze, successi e delusioni, cogliendo nella semplice naturalezza del carattere, degli umori, delle passioni, dei sentimenti quanto d’insondabile è in ogni donna”.

  

Orari: dal 2 giugno al 1 settembre: mar-ven 17.30-22.00; sab-dom 10.00-13.00; 17.30-22.00; dal 3 settembre al 3 novembre: mar-ven 15.30-19.30; sab-dom 10.00-13.00; 15.30-19.30; lunedì chiuso.
Informazioni: 0584430614 – info@cemamo.it.

 

 

Reggio Emilia, Palazzo dei Musei
6 aprile – 14 luglio 2019 

La mostra, in programma dal 6 aprile, è a cura di Virginia Bertone, Elisabetta Farioli, Claudio Spadoni e coinvolge la Fondazione Torino Musei-Galleria d’arte moderna e la Galleria Ricci Oddi di Piacenza

“Felice l’artista che nasce dopo morto” confidò Antonio Fontanesi a un suo allievo. E la mostra “Antonio Fontanesi e la sua eredità. Da Pellizza da Volpedo a Burri” che Reggio Emilia propone dal 6 aprile al 14 luglio a Palazzo dei musei, a duecento anni dalla nascita dell’artista, è un po’ la storia di una “resurrezione” artistica.

Nella mostra, i dipinti di Antonio Fontanesi provenienti da importanti musei e collezioni italiane sono posti a confronto con le opere degli artisti che la critica ha collegato con la sua produzione, individuandone possibili motivi di ispirazione in un arco cronologico che dagli anni Ottanta dell’Ottocento arriva fino agli anni Sessanta del Novecento. Sono documentati i rapporti con la cultura simbolista e divisionista attraverso opere di Vittore Grubicy, Leonardo Bistolfi, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Angelo Morbelli ma anche la sua ripresa negli anni Venti ad opera di Carlo Carrà, Felice Casorati, Arturo Tosi. L’ultima sezione è dedicata alle interessanti interpretazioni critiche degli anni Cinquanta di Roberto Longhi e poi di Francesco Arcangeli. Quest’ultimo infatti, nell’individuare una continuità tra la concezione moderna dell’arte e la grande tradizione ottocentesca, inserisce Fontanesi nell’evoluzione di un naturalismo che nel dopoguerra arriva a Ennio Morlotti, Mattia Moreni, Pompilio Mandelli spingendosi fino alle ricerche materiche di Alberto Burri

Antonio Fontanesi inquieto nell’arte e nella vita, “artista randagio” per i contemporanei, “globetrotter” lo definiremmo oggi, ha trascorso un’esistenza densa di esperienze e incontri.
A Reggio Emilia, città dove nasce nel 1818, rimane fino a trent’anni quando, spinto dall’urgenza di partecipazione patriottica, si rifugia in Svizzera dove nel 1850 si stabilisce, a Ginevra, città che segna una tappa importante della sua vita. Da qui si sposta continuamente per dipingere tra i paesaggi del delfinato, ma compie anche importanti viaggi europei fondamentali per la sua arte: Parigi nel 1855 e nel 1861, Londra nel 1865. Il breve soggiorno a Firenze nel 1866 segna la sua volontà di tornare in patria, unitamente alla ricerca di un insegnamento accademico che gli offrisse stabilità economica. Dopo la breve esperienza di Lucca, finalmente nel 1869 ottiene la cattedra di paesaggio all’Accademia Albertina di Torino. Non si placa anche in questi anni la sua inquietudine di uomo e di artista; dal 1876 al 1878 si trasferisce a Tokyo dove insegna alla Scuola d’arte. Tornato a Torino, dove muore nel 1882, trascorre gli ultimi anni tra incomprensioni e difficoltà.

Palazzo dei Musei
via Spallanzani, 1 – t. 0522 456816

orario di apertura invernale
dal martedì al venerdì 09.00 / 12.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 / 13.00 e 16.00 / 19.00
orari di apertura estivi (luglio – agosto)
dal martedì al sabato 9.00 / 12.00 – 21.00 / 23.00
domenica e festivi: 21.00 / 23.00
lunedì chiuso

Ingresso gratuito

 

 

 

 

 

Dal 5 aprile al 14 luglio  nello Spazio Mostre di Fondazione CR Firenze, un viaggio tra i documenti e le opere dell’artista. Iniziativa promossa dalla Fondazione CR Firenze, con la curatela dell’Archivio Luciano Caruso

Una personalità multiforme quella di Luciano Caruso (Foglianise, 1944 – Firenze, 2002), che ha intrecciato la sua attività di artista con quelle di saggista, critico, organizzatore di eventi culturali e studioso.

Tra gli anni ’60 e ’70 egli fu riferimento decisivo per le sperimentazioni sui rapporti tra immagine e parola; per la sua attività nel campo delle riviste d’avanguardia, di cui fu fondatore e collaboratore; per la promozione di progetti innovativi quali la pubblicazione dei Manifesti futuristi e l’organizzazione dell’importante collezione di libri d’artista per la Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze.

La mostra presenta un nucleo selezionato di 30 opere, oltre a materiale d’archivio, che ne visualizzano l’intenso itinerario artistico e intellettuale attraverso un viaggio a ritroso: dall’ultimo libro-opera Periplo, realizzato a Firenze nel 2002, passando per le tavole de La via della seta, sino a risalire alla serie Atlante legata agli esordi verbo-visuali a Napoli negli anni Sessanta.

 

INGRESSO LIBERO
Spazio Mostre Fondazione CR Firenze
Via Bufalini 6 – Firenze
dal giovedì alla domenica
ore 10/13 e 15/18

INFO E PRENOTAZIONI
Tel. +39 055 5384 001/997
spaziomostre@fcrf.it

 

Villa Bardini (Costa San Giorgio 2) e Museo Stefano Bardini (via dei Renai 37)
Dal 13 aprile al 22 settembre

 

La prima mostra italiana dedicata alla danzatrice americana Isadora Duncan e al suo rapporto con le arti figurative italiane è ospitata a Villa Bardini e al Museo Stefano Bardini dal 13 aprile al 22 settembre.

Dipinti, sculture e documenti, fra i quali fotografie inedite, ripercorreranno il legame con l’Italia di colei che rivoluzionò le teorie accademiche della danza, per avviare una moderna e innovativa visione del corpo femminile, e del suo movimento, nello spazio, prendendo le mosse dall’influenza che ebbe nel contesto internazionale. Sono circa 170 i pezzi che saranno allestiti su due piani di Villa Bardini e una speciale sezione dedicata alle grandi sculture sarà allestita nel Museo Stefano Bardini.

L’esposizione a cura di Maria Flora Giubilei e Carlo Sisi, è promossa da Fondazione CR Firenze e da Fondazione Parchi Monumentali Bardini e Peyron, con il patrocinio del Comune di Firenze.

Orario: 10-19, chiuso i lunedì feriali, ultimo ingresso ore 18.00; biglietti: intero € 10.00, ridotto € 5.00.
Tel 055 20066233 (da lunedì al venerdì 15-18 e mercoledì 10-13)
eventi@villabardini.it
www.villabardini.it

Vinci, Museo Leonardiano

15 aprile – 15 ottobre 2019

A Vinci, luogo leonardiano per eccellenza, la mostra Leonardo a Vinci. Alle origini del Genio, co-organizzata con le Gallerie degli Uffizi, è incentrata sul legame biografico di Leonardo con la sua città natale e sulle suggestioni che la terra d’origine offrì al suo percorso di artista, tecnologo e scienziato. In quest’ottica, sono presentati i documenti in prestito dall’Archivio di Stato di Firenze, che ricostruiscono in maniera inequivocabile le primissime vicende della vita di Leonardo a Vinci, e il primo disegno conosciuto da lui realizzato, Paesaggio (inv. 8P) datato 5 agosto 1473, conservato presso il Gabinetto dei Disegni e delle Stampe delle Gallerie degli Uffizi di Firenze.

Di grande suggestione all’interno della sezione biografica, l’esposizione del registro notarile del bisnonno di Leonardo sul quale, all’ultima pagina, il nonno Antonio da Vinci annotò la nascita, dopo quella dei suoi figli, del primo nipote, Leonardo, insieme alle portate catastali della famiglia da Vinci relative all’infanzia e prima giovinezza dell’artista. Nella sezione dedicata al giovanile disegno di Paesaggio del 1473, già identificato come raffigurazione della Valdinievole e di parte del Valdarno Inferiore, si documentano le suggestioni offerte al giovane Leonardo dalla sua terra d’origine. L’immagine costituisce infatti un vero e proprio “palinsesto” di tutta la futura opera di Leonardo tant’è che è già possibile intravedervi il profondo interesse verso la natura, la fascinazione per l’acqua e il suo movimento vorticoso, le ricerche in campo geologico e cartografico. In questo contesto, si offre una lettura del disegno da più punti di vista, da quello storico artistico a quello storico geografico, evidenziando gli elementi tematici presenti in relazione alle successive ricerche scientifiche, tecniche e ingegneristiche di Leonardo.

Il percorso comprende realizzazioni multimediali e ricostruzioni di progetti leonardiani relativi al territorio vinciano e del Valdarno Inferiore. Allestita all’interno di una delle due sedi del Museo Leonardiano, il Castello dei Conti Guidi, la mostra si integra pertanto con parte della collezione di macchine e modelli della collezione museale relativi agli studi sull’acqua, di ingegneria idraulica e rappresentazione cartografica del Valdarno Inferiore.

ORARI DI APERTURA

DAL 16 APRILE AL 26 MAGGIO 2019 IL MUSEO LEONARDIANO SARA’ APERTO TUTTI I GIORNI DALLE 9.00 ALLE 23.00 (CHIUSURA DELLA BIGLIETTERIA ALLE 22.15)

BIGLIETTO CUMULATIVO

Il biglietto comprende il Museo Leonardiano, compresa la Mostra Leonardo a Vinci. Alle origini del genio, la Casa natale di Leonardo e la sezione espositiva Leonardo e la pittura

INTERO: € 13,00 

RIDOTTO: € 10,00

Gruppi non prenotati oltre 15 persone, ragazzi da 14 a 18 anni, adulti di età superiore ai 65 anni, studenti universitari, soci Touring Club Italiano, soci ACI e circuito “Show your card”, possessori carta Edumusei Regione Toscana, soci Unicoop Firenze;

RIDOTTO SPECIALE: € 8,00

Ragazzi dai 6 ai 14 anni, portatori di handicap, volontari del Servizio Civile Nazionale;

GRATUITO

Bambini fino a 6 anni non compiuti, guide turistiche e accompagnatori con gruppi, residenti nel Comune di Vinci, guide turistiche, operatori in visita per educational, disabili in gruppo con visita organizzata da comunità o associazioni di assistenza, gruppi scolastici/delegazioni istituzionali ospiti dei Comuni Empolese Valdelsa, bambini da 6 a 14 anni residenti nell’ Unione dei Comuni Circondario Empolese Valdelsa;

Informazioni
Museo Leonardiano di Vinci
Tel 0571 933251
info@museoleonardiano.it
www.museoleonardiano.it

 

 Centro Giovani Piazza don Milani 3 Montemurlo | Prato

6 Aprile 2019 / 02 Giugno 2019

 

Umberto Brunelleschi (Montemurlo il 21 giugno 1879 – Parigi il 16 febbraio 1949) rappresenta il genio italiano dell’Art Déco, l’unico in grado di reggere il confronto con i grandi maestri francesi. La sua magia viene rivelata dalla mostra, curata da Giorgio Bacci e Alessia Cecconi, che gli dedica il Comune di Montemurlo in occasione dell’anniversario della nascita

Da Firenze a Parigi– A Firenze Brunelleschi frequenta l’Accademia di Belle Arti, decisivo è l’incontro, alla Scuola libera del nudo, con Ardengo Soffici e Giovanni Costetti. È insieme a loro che decide di trasferirsi a Parigi. Nella capitale francese avviene il vero cambio di passo: l’artista si apre a una dimensione internazionale, frequenta artisti del calibro di André Derain, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, oppure letterati come Gabriele D’Annunzio.
Uno stile speciale tra la Francia e l’Italia– Brunelleschi definisce negli anni un proprio stile immediatamente riconoscibile, impiegando magistralmente una tecnica preziosa e raffinata come il pochoir (di cui in mostra sono esposti alcuni esempi), ed è tra i pochi artisti di calibro internazionale a raggiungere il livello qualitativo di grandissimi disegnatori déco come Georges Lepape e George Barbier. L’artista in Francia incontra un favore crescente, illustra numerosi volumi e la sua opera è richiesta dai più importanti periodici di moda e costume.
I libri per bambini– I disegni originali per L’albero delle fiabe (1909), raccolta di fiabe di Massimo Bontempelli, evidenziano uno stile in formazione, ancora in cerca di una sua identità precisa. Tuttavia, il visitatore potrà facilmente scorgervi quella predilezione per un linearismo grafico attento e ben calibrato che tornerà, maturo e disteso, nel capolavoro Le malheureux petit voyage(di Gabriel Soulages, 1926), anch’esso esposto al pari di Les contes de Boccace (1934), Zufrin (di Giuseppe Fanciulli, 1932), La cronaca della settimana (di Luigi Bertelli, 1921).
Le riviste, dal Giornalino della domenica a La Lettura-Il settore delle riviste, centrale nella fortuna di Brunelleschi, è ben rappresentato da una serie di copertine elaborate nel 1908 per Il giornalino della Domenica, dedicate alle stagioni dell’anno: un paesaggio invernale accarezzato dalla neve (gennaio) dialoga con l’atmosfera fiabesca di uno stagno rischiarato dalla luna e dalle stelle (giugno), oppure i bambini impegnati nei giochi al mare (agosto) rispondono al piccolo imbacuccato tra gli alberi spogli (novembre). Anche un altro importante periodico si avvalse della collaborazione di Brunelleschi: è La Lettura, legato (allora come oggi) al Corriere della Sera. In mostra sono esposte numerose copertine. Dall’affascinante ritratto ‘in punta di penna’ del giugno 1926 alla ‘cineseria’ del settembre 1924, dalla maschera del febbraio 1920 al raffinato disegno arabescato del luglio 1923.
Un ruolo a parte per La Tradotta, giornale settimanale della terza armata, diretto da Renato Simoni, che Brunelleschi illustrò in varie occasioni nel 1918, elaborando immagini dal tono ammiccante. Gli eventi diventano espedienti per raffigurare improbabili harem e figurini, scene galanti e trasparenti allegorie.
La Turandot del Maggio (1940)- L’esposizione vede protagonista anche un allestimento altamente spettacolare, volto a mettere in dialogo, per la prima volta, i bozzetti di scena e i figurini realizzati da Umberto Brunelleschi per la Turandot rappresentata al Maggio musicale fiorentino nel 1940, con i costumi effettivamente realizzati in quell’occasione. Il visitatore potrà ammirare i disegni originali accanto a vestiti sontuosi, in cui prendono vita dragoni d’oro e di seta. 

La Magia di Umberto Brunelleschi

Centro Giovani Piazza don Milani 3 Montemurlo | Prato

6 Aprile 2019 / 02 Giugno 2019

Orari: venerdì 15-19; sabato, domenica e festivi 10-13 / 15-19

Enti promotori: Comune di Montemurlo

Telefono per informazioni: +39 0574 558567

Sito ufficiale: http://www.comune.montemurlo.po.i